Due mostre in successione al Vittoriano nella sala Giubileo dell’ala Brasini, lato Fori Imperiali per presentare la Repubblica democratica del Congo dal 2 al 16 aprile 2015 e la Polonia dal 24 aprile al 3 maggio. Prosegue il programma “Roma verso Expo”, che ha visto finora una serie di mostre con la presentazione di molti paesi nel Vittoriano e all’aeroporto Leonardo da Vinci di Fiumicino. Per le mostre al Vittoriano ricordiamo nel 2014 Egitto e Slovenia, Albania e Serbia, nel 2015 Vietnam ed Estonia, Grecia e Germania, Tunisia e Dominicana. Diverse le forme prescelte, per lo più fotografie delle bellezze naturali o urbane e oggetti tipici dell’ artigianato, in qualche caso anche antichi reperti come per Egitto e Grecia, fino alla vera e propria mostra d’arte dell’Estonia.
Il Congo
Il Congo ha presentato l’immagine tradizionale dei villaggi e delle presenze pittoresche in forma artistica e non fotografica, mediante quadri di stile figurativo., ma la modernità non è mancata con quadri di stile quasi astratto. Ci ha ricordato la mostra, sempre al Vittoriano, sull’arte africana in cui veniva effettuata una spettacolare ricognizione di stili e tendenze.
Nella seconda sala gli oggetti di artigianato in legno, cioè figure caratteristiche di animali e di sagome. Con l’elemento dominante costituito dal grande schermo nel quale scorrevano le immagini di località dalla vegetazione lussureggiante, acque tumultuose, o edifici urbani particolarmente significativi.
Va considerato che la popolazione è costituita da 250 etnie in 450 tribù, il sostentamento è dato dalle risorse naturali del territorio, con un’altissima biodiversità e piogge abbondanti, fattori questi che danno al paese un elevato potenziale agricolo-
Per valorizzare tale potenziale e tradurlo in sviluppo effettivo sviluppo, è stata predisposta una serie di progetti nei settori strategici: dall’agricoltura e itticoltura alla sicurezza alimentare e protezione ambientale, dall’acqua e l’ energia alle infrastrutture; seguono i trasporti, la sanità e la scuola.
Sono necessari investimenti dell’ordine di centinaia di milioni di euro, con l’intervento, oltre che del governo del Congo, delle istituzioni internazionali dalla Banca mondiale alla Banca africana di sviluppo, dalla Banca Europea degli investimenti alla stessa Commissione Europea.
Il presidente della Camera di Commercio ItalAfrica centrale Alfredo Cestari all’inaugurazione della mostra ha affermato che già a maggio saranno aperte le gare e, riferendosi in generale alla manifestazione milanese, ha aggiunto che “L’Expo dovrà rappresentare una rara occasione sia per i governi con progetti di sviluppo immediatamente cantierabili, che per le aziende occidentali in cerca di vie nuove e concrete per il proprio business”. E ha dichiarato che la sua organizzazione è pronta ad organizzare in sede Expo incontri tra istituzioni pubbliche e private, mondo produttivo e istituti sovranazionali.
La valorizzazione della produzione agricola in modo innovativo è essenziale anche per non dover ricorrere all’estensione della superficie coltivata a scapito della superficie boschiva, che costituisce il secondo bacino forestale del pianeta per estensione, ed è quindi uno dei “polmoni” vitali.
All’Expo il Congo è presente con uno spazio espositivo di 125 metri quadrati nel cluster “Frutta e legumi” in cui sono evocate le caratteristiche e le peculiarità della propria produzione agricola, che nella mostra al Vittoriano sono sintetizzate in un cesto di frutta di aspetto caravaggesco.
La Polonia
Se la frutta è stata posta a simbolo delle risorse agricole del Congo con la semplicità del cesto esposto in mostra e l’esibizione nel relativo “cluster” all’Expo, nel caso della Polonia si può dire la stessa cosa per la manifestazione milanese.
Al Vittoriano la frutta non è assente; tra gli opuscoli e i depliant turistici distribuiti, c’è un volume di Eliza Mòrawska, “On Polish Apples, 40 recipes for breakfast, lunch, dinner and dessert”, 142 pagine a colori di grande formato con 40 ricette sui molteplici usi del pomo di Venere corredate da illustrazioni oltre che succulente, artistiche, quasi altrettante nature morte.
Viene fornito inoltre un corposo vademecum, “Polska”, sulle maggiori attrazioni, con le città, da Varsavia a Katowice, a Cracovia con la Cattedrale e la collina artificiale in onore degli eroi della nazione; e con la natura, dalle dune e le coste del Baltico ai monti del Tatra e alle colline della Slesia. L”immagine data del paese, con la promozione “Polonia – Vieni e vivi la tua favola”, é una visione fiabesca di località urbane e agresti, montane e lacustri in cui gli scenari ambientali fanno da sfondo a scene edificanti con persone felici, quasi personaggi di una favola moderna.
Sono 16 fotografie artistiche corrispondenti alle regioni polacche con altrettante attrazioni che fanno rivivere situazioni fiabesche in cui il visitatore può identificarsi. Il messaggio è che quei luoghi restano nel cuore come favolosi ricordi nello stesso modo delle fiabe infantili che riemergono in tutta la loro magia. “E’ un invito – si afferma – a raccontare e a raccontarsi, a viaggiare e vivere la propria favola in quel paese nel cuore dell’Europa che è un concentrato di bellezza artistica e scorci naturalistici”.
In effetti ci si sente portati in un mondo fiabesco, ma proprio per questo ci si chiede quale sia la realtà del paese che la mostra vuol presentare. La risposta si ha nella sala successiva, quella che per il Congo esibiva oggetti di artigianato tradizionale, oltre alle immagini sul grande schermo.
La realtà è quella dell’alta tecnologia, rappresentata in modo multimediale e interattivo dai prodotti di 4 società polacche, leader nell’innovazione e nello sviluppo tecnologico, di cui vediamo nelle vetrinette degli esemplari. Si tratta del processore industriale più veloce del mondo della Digital Core, del cubo interattivo della Game Technologie3s, delle schede di memoria e dei dispositivi di archiviazione UBS avanzati della Goodram, di un sistema costruttivo complesso di “intelligence wireless” di protezione domestica della Fibaro.
Questa scelta espositiva riflette l’impegno del paese nello sviluppo delle alte tecnologie mediante programmi governativi a supporto delle attività dei centri di ricerca e dei parchi industriali e tecnologici, delle zone economiche speciali e degli investimenti innovativi, come viene sottolineato precisando gli obiettivi perseguiti: “Il Paese punta allo sviluppo delle nuove tecnologie, al trasferimento dei risultati della ricerca nei processi produttivi e alla creazione di una giovane imprenditoria tecnologica”. Può essere un esempio da non sottovalutare.
E la frutta evocata appena dai depliant e dalle mele offerte ai visitatori, come balza alla ribalta nell’Expo? Alla grande, anzi in forma colossale, il padiglione polacco ha una parete modulare traforata che si rivela come un accumulo di innumerevoli cassette di mele, quelle usate per l’imballaggio e il trasporto che si vedono in tutti i mercati. Tutto qui? Certamente no, il senso della favola torna nel giardino segreto che si apre dietro la scatola traforata con i filari di alberi di mele caratteristici del paesaggio polacco. Perché è un giardino infinito per l’immagine moltiplicata dagli specchi e gli elementi metallici che rivestono le pareti interne moltiplicandone i riflessi ; un giardino che diventa una piazza italiana, luogo di incontro e di socializzazione, piena di luce come se si materializzasse magicamente nel bel mezzo di un “meleto” in una regione polacca.
Anche nell’Expo dalla favola si passa alla realtà, si possono fare passeggiate virtuali e seguire i processi di maturazione delle mele nel periodo della mostra, tra maggio e ottobre, e persino raccogliere i frutti dagli alberi di mele. Tutto questo mediante la tecnologia avanzata presente nei vari elementi dell’allestimento, in un abbinamento natura-tecnologia del tipo di quello appema accennato nella mostra romana in un clima da favola. Il logo, rappresentato da una cassetta di mele disegnata con gli “hashtag” telematici, riassume il messaggio “di un’economia polacca efficiente, basata su soluzioni moderne e innovative, che rispetta la natura ed è in armonia con l’ambiente”.
La mela, dunque, come testimonial di un paese, dopo essere stata testimonial di una città, la “grande mela newyorkese”; ed essere al centro di una favola antica, quella di Biancaneve.
Ora è al centro di una nuova favola, quella di un paese presentato in un clima di magia, dove natura e tecnologia si uniscono per dare la felicità, quella espressa dalle fotografie del Vittoriano illuminate dalla gioia di vivere. Dall’ intervento dell’Ambasciatore si è avuto lo stesso messaggio positivo e invitante, e crediamo non sia solo un fatto promozionale ma rifletta un’effettiva convinzione; anche da questo si può trarre un insegnamento da non trascurare.
Info
Complesso del Vittoriano, via San Pietro in Carcere, lato Fori Imperiali, ala Brasini. Da lunedì a giovedì ore 9,30-18,30, sabato e domenica 9,30-19,30. Ingresso gratuito; l’ingresso è consentito fino a 30 minuti prima della chiusura. Cfr., in questo sito, i nostri precedenti articoli sulle mostre al Vittoriano della serie “Roma verso Expo”: nel 2014, su “Egitto e Slovenia” l’8 novembre,su “Albania e Serbia” il 9 dicembre, nel 2015 sul “Vietnam” il 14 gennaio, sull’“Estonia” il 7 febbraio, su “Grecia e Germania” il 22 febbraio, su “Tunisia e Dominicana” il 25 marzo. Per la mostra citata nel testo cfr. i nostri 2 articoli in “cultura.inabruzzo.it” su “Africa, una nuova storia, al Vittoriano” il 15 e 17 gennaio 2010.
Foto
Le immagini sono state riprese da Romano Maria Levante alla presentazione delle due mostre al Vittoriano, si ringrazia “Comunicare Organizzando” di Alessandro Nicosia, con i titolari dei diritti, e le ambascite di Congo e Polonia, per l’opportunità offerta. Le prime 5 immagini inserite nel testo sono sul Congo, riproducono dipinti e oggetti di artigianato caratteristico; le successive 5 immagini sono sulla Polonia, riproducono foto esposte con suggestivi scorci ambientali.
Si conclude la nostra visita alla mostra “Numeri. Tutto quello che conta da zero a infinito”, al Palazzo Esposizioni dal 16 ottobre 2014 al 31 maggio 2015, un viaggio nel quale abbiamo trovato conferme e sorprese su un mondo nel quale tutti hanno fatto le loro esperienze scolastiche e di vita. Dopo aver descritto i 5 “moduli” e i 6 “crocevia” della mostra ci siamo soffermati soprattutto sul significato e il valore dei numeri, sulle misure del tempo, della ricchezza e della vita con i relativi strumenti, fino ai numeri naturali, per descrivere infine le installazioni interattive. Ora entriamo nei numeri da zero a infinito, “p greco” e “quadratura del cerchio”, ” radice di 2″ e “numero aureo”, numeri irrazionali e immaginari con “i”, logaritmi ed “e”, fino ai “numeri primi”. La mostra è realizzata dall’Azienda speciale PalaExpo con Codice, Idee per la Cultura, curatore Claudio Bartocci, coordinatore scientifico Luigi Civalleri: hanno curato anche il Catalogo di PalaExpo -Codice Edizioni, che tratta tali aspetti specialistici in una forma chiara e coinvolgente.
Zero e infinito
Entriamo subito nel vivo della matematica vissuta “come un romanzo” con lo zero: ha il fascino dell’Oriente, dato che le sue origini risalgono alla più antica civiltà indiana, con riferimento anche a testi filosofici in cui si trovano i concetti di “vuoto” e “nulla” portati poi in campo matematico.
La mostra delinea “le tappe dello zero”: da Bhinmal in Rajasthan, nel capolavoro di Brahmagupta in cui compare come simbolo e come elemento algebrico risultante da somme di numeri positivi e negativi, a Sind regione nell’attuale Pakistan, quindi a Toledo, nel Liber Alchorismi; fino a Pisa nel “Liber baci” di Leonardo Fibonacci, cui si deve la sequenza dei numeri con le rispettive somme.
Dallo zero al 10come base di numerazione riferita alle dita delle mani fatta risalire, dal matematico Nicomaco di Gerasa, I-II sec. d.C., al “Dio creatore” perché “il numero dieci è in effetti il più perfetto di tutti”. Vengono descritte anche numerazioni su basi diverse, come la base 5 di popoli delle Nuove Ebridi, la base 20 di antichi popoli del Mesoamerica e dell’Africa occidentale, la base 12 di antiche civiltà mesopotamiche, e la base 2 illustrata da Leibniz nel “De progressione Dyadica” del 15 marzo 1679; ebbene, incredibile ma vero, si tratta del metodo binario, con la sequenza 1 e 0 che riporta i valori logici di vero e falso, su cui si basa la rivoluzione dell’informatica.
La nozione di infinito è anch’essa antichissima e legata alla filosofia, la troviamo 2500 anni fa in Zenone di Elea, mentre Aristotele distingue l’infinito attuale e l’infinito potenziale, ammettendo solo il secondo; a sua volta sant’Agostino ammette il primo riferendolo all’onniscienza di Dio, e i filosofi della scolastica parlano di infiniti disuguali perché gli infiniti attuali sono diversi.
Queste concezioni sono sull’orlo del paradosso e diventano intriganti perché la mente giunge al confine delle proprie capacità intuitive. Infatti gli infiniti disuguali postulano il concetto che alcuni sono più grandi di altri che ne farebbero parte: come i numeri pari, un insieme infinito ma meno grande dell’insieme dei numeri naturali che lo comprende ed è altrettanto infinito.
Galileo Galilei nei “Discorsi e dimostrazioni matematiche intorno a due nuove scienze” si esprime così rispetto al paradosso degli “infiniti disuguali”: “Io non veggo che altra decisione si possa venire, che a dire, infiniti essere tutti i numeri, infiniti i quadrati, infinite le loro radici, né la moltitudine de’ quadrati esser minore di quella di tutti i numeri, né questa maggior di quella, ed in ultima conclusione gli attributi di eguale maggiore e minore non aver luogo ne gli infiniti, ma solo nelle quantità terminate”. E a proposito dell'”indivisibilità del continuo”, ammoniva: “Ricordiamoci che siamo tra gl’infiniti e gl’indivisibili, quelli incomprensibili dal nostro intelletto finito per la lor grandezza, e questi per lor piccolezza”.
Tutti si sentono rinfrancati da questa ammissione di Galilei sulla scienza, come da quella di Einstein sulla matematica: e anche se la scienza ha fatto enormi passi in avanti, non è venuta meno la consapevolezza dell’inadeguatezza delle nostre conoscenze perché la spiegazione dei misteri e la soluzione dei problemi ne apre sempre altri ancora più complessi.
Dai paradossi sugli infiniti si passa all’ipotesi del continuo e alla teoria degli insiemi, agli indefiniti e agli infinitesimi; il simbolo dell’infinito è l’8 orizzontale; introdotto da Wallis nel 1655 è presente nelle attuali espressioni algebriche dei limiti di un “numero n tendente all’infinito”.
Nella matematica antica compaiono “i numeri che danno le vertigini”, superiori anche alla nostra immaginazione, come nel calcolo del tempo universale degli indiani e del “numero dei granelli di sabbia nella sfera delle stelle fisse” di Aristotele.
“P greco” e quadratura del cerchio, radice di 2 e “numero aureo”, numeri irrazionali
Il numero più famoso non è lo zero, ma il misterioso “p greco” , riferito al rapporto tra area e quadrato del raggio di una circonferenza conosciuto sin dall’epoca babilonese, come si legge nel “Secondo libro delle cronache” riguardo agli arredi del tempio di Salomone, e usato nei calcoli dell’agrimensura egizia. Molte sono state le formule per calcolare il “p greco” con errori di approssimazione sempre più piccoli, tutti ricordano che a scuola viene identificato con 3,14.
Partendo dal “p greco” la mostra conduce a una girandola di operazioni matematiche in cui geometria ed aritmetica si sono sfidate a risolvere problemi legati al cerchio nei suoi rapporti con altre figure piane. Con Euclide troviamo la problematica dei poligoni inscritti e circoscritti, ma è la “quadratura del cerchio” la sfida che ha appassionato i matematici, sin dai sofisti che la ritenevano possibile mentre Aristotele non accettava la loro soluzione, e affermava che non è legittimo “dimostrare una proposizione geometrica mediante l’aritmetica” . I tentativi successivi hanno invece usato proprio l’aritmetica scontrandosi con il “p greco”, considerato prima numero “irrazionale”, quindi traducibile in forma geometrica, poi però molto diverso dagli irrazionali come la radice di 2, e “trascendente”, per questo non traducibile in segmenti.
La sfida è proseguita, così concludono i curatori nel Catalogo: “Il problema della quadratura del cerchio – con buona pace dei matematici dilettanti che si ostinano in sforzi inutili -. non è risolvibile con gli strumenti della geometria euclidea”.
Con la “radice di 2″ dal cerchio si passa al quadrato, i cui rapporti tra lati e diagonale hanno intrigato i matematici: infatti la radice di 2 corrisponde alla diagonale di un quadrato i cui lati sono uguali ad uno in base al celeberrimo teorema di Pitagora secondo cui la somma dei quadrati dei lati-cateti è uguale al quadrato della diagonale-ipotenusa. Si tratta del numero irrazionale per eccellenza, che non può essere espresso dal rapporto tra due numeri interi, cioè una frazione con numeratore e denominatore interi. Al teorema di Pitagora è dedicata una rappresentazione solida con i celebri quadrati costruiti sull’ipotenusa e sui cateti come vasi comunicanti riempiti di un liquido verde che consente di verificarne visivamente l’equivalenza muovendo i vasi suddetti.
Dal quadrato al pentagono si giunge alla “sezione aurea”, la cui diagonale è incommensurabile rispetto al lato per cui il loro rapporto è un numero irrazionale chiamato “numero aureo”,indicato con il “f greco” maiuscolo, e definito “il rapporto tra due grandezze che siano in ‘estrema e media ragione’, cioè tali che il rapporto tra la maggiore e la minore sia uguale al rapporto tra la somma delle due grandezze e la maggiore”. Per chi ritiene astrusa tale spiegazione tutto diventa chiaro con la rappresentazione di una “spirale logaritmica” dalla forma di una conchiglia, disegnata ed esposta in mostra anche materialmente: è un Nautilus dalla forma sinuosa ed armoniosa.
Del resto, il numero aureo è stato adottato come supremo canone estetico-matematico da architetti e scultori dell’antichità e del Rinascimento, Leonardo da Vinci lo ha citato nel “De divina proporzione”, lo troviamo nella “Section d’Or” di Duchamp e Villon, in Leger e Picabia che voleva ricostruire il cubismo su quelle basi, fino a Le Corbusier che vi basò il sistema di proporzioni universali “Modulor” per i suoi progetti architettonici e urbanistici, vediamo esposto il grande grafico con una figura umana, le sue misure e a lato la progressione delle proporzioni.
I “numeri irrazionali” non rientravano nella matematica greca, ma già nel IV-V sec. a. C. fu fatta la distinzione tra “grandezze commensurabili”, cioè “misurate da una stessa misura”, e “grandezze incommensurabili”, che non hanno alcuna misura comune, come diagonale e lati del quadrato; poi Euclide ne fece una trattazione dettagliata ma astrusa nei suoi “Elementi”, libro che nel XVI sec. fu definito “troppo duro da digerire”, al punto da essere considerato “la croce dei matematici”.
I numeri immaginari con “i”
Dai numeri irrazionali, capofila la radice quadrata di 2, ai “numeri immaginari”, capofila la “radice quadrata di -1″: solo con l’immaginario si può concepire un numero il cui quadrato è un numero negativo come – 1, mentre il quadrato è positivo sia se nasce da numeri negativi che positivi, perché il prodotto di un numero negativo per se stesso, tale è il quadrato, è sempre positivo.
Ma le equazioni possono dare radici negative quando hanno tre radici reali, è il caso detto irriducibile, e perciò non avrebbero senso se non si escogitasse una qualche soluzione. Ci provò Cardano, nell’ “Ars magna”, ma riteneva i nuovi numeri escogitati come artificio matematico “tanto sottile quanto inutile”; mentre nel 1572 Bombelli, con “L’algebra”, trattò in modo sistematico le radici dei numeri negativi , precedute o no dal segno meno, e fissò le regole di moltiplicazione.
Fu Descartes nel 1637, con “La geometrie”, a chiamare “numeri immaginari” le radici quadrate dei numeri negativi, che divennero nei secoli seguenti uno strumento fondamentale dell’algebra, dopo molte resistenze essendo per certi versi paradossali o comunque non intuitivi. Al punto che Leibniz arrivò a definire la “radice immaginaria” come un “miracolo dell’analisi, mostro del mondo ideale, quasi anfibio tra ente e non ente”. Fu Euler a introdurre il simbolo “i” per l’unità immaginaria rappresentata dalla radice quadrata di -1, per cui il quadrato di i è uguale a -1; ne consegue che la radice quadrata di ogni numero negativo può essere espressa dal prodotto tra un numero reale ed “i”, e così si arriva ai “numeri complessi” la cui espressione è del tipo “a + ib”: ogni numero ha 2 radici quadrate, quelle di 1 sono 1 e -1, quelle di -1 sono “i” e “- i”.
Una rivoluzione per le equazioni, per cui ogni equazione di grado “n” veniva ad avere “n” soluzioni o radici con la particolarità, divenuto “teorema fondamentale dell’algebra”, che ogni equazione polinomiale ha almeno una radice complessa. Con l’elevarsi del grado delle equazioni cresce la difficoltà di trovare delle soluzioni, perché oltre il quarto grado non sono risolvibili per radicali.
Dai numeri complessi si va alle “geometrie complesse” fino ai quaternioni, numeri ipercomplessi derivati dalla soluzione trovata da Hamilton il 16 ottobre 1843, mediante una struttura algebrica quadridimensionale, che vede oggi applicazioni perfino nella robotica per i modelli dei movimenti di giunti e bracci meccanici.
I logaritmi con il numero “e”, e i “numeri primi”
E qui ci fermiamo, non prima di aver ricordato un altro grande protagonista della matematica cui la mostra, come per gli altri fin qui citati, dedica un pannello illustrativo. Si tratta del numero “e”, definito dai curatori “dalle mirifiche proprietà”, corrispondente al valore di x, per cui log (x) uguale ad 1. Il numero “e” , che corrisponde a 2, 718281828459045…. è la base dei “logaritmi naturali”, detti iperboliciperché riferiti all’area sottesa in un’iperbole studiata da Mercator; i logaritmi, cui si avvicinò già Leibniz, furono descritti con esempi da Euler in “Introductio in analisi infinitorum ” del 1748, e sono diventati uno strumento fondamentale con lo sviluppo del calcolo infinitesimale.
La tavola dei logaritmi dei primi 1000 numeri fu pubblicata da Briggs nel suo “Logarithmorum chilias prima”, pubblicato nel 1617, l’anno in cui morì Napier (Nepero) che aveva introdotto il termine “logaritmo” con il suo “Mirifici logarithmorum canonis descriptio” del 1614. I logaritmi hanno trovato largo impiego nella scienza e nell’ingegneria, quando si devono trattare grandi numeri, e l’uso delle tavole ha semplificato il calcolo, fino all’avvento dei computer.
Cosa sono dunque i logaritmi? Il logaritmo di un numero in una data base è l’esponente al quale la base deve essere elevata per ottenere il numero, detto “argomento”. Quindi il logaritmo in base 10 di 1000 è 3 perché bisogna elevare 10 alla terza potenza per ottenere 1000; è la funzione inversa dell’elevamento a potenza della base. Il logaritmo naturale è di grande importanza, avendo come base “e”, che come si è visto corrisponde a 2,718… circa, inverso della relativa funzione esponenziale. Il logaritmo del prodotto di due numeri è la somma dei loro logaritmi, il logaritmo del loro quoziente è la differenza dei loro logaritmi, la mostra lo richiama alla nostra attenzione, stimolando i ricordi dei banchi di scuola che non si fermano alle formule matematiche.
Se “Elementi” di Euclide è stato definito “la croce dei matematici”, vi assimiliamo i logarirmi – nella loro versione moderna senza risalire al libro di Nepero – nel definirli “la croce degli studenti”. Per questo è affascinante ritrovarli, insieme agli altri numeri magici ed alle altre espressioni algebriche, nel percorso della mostra che diventa anche un viaggio nella memoria.
Concludiamo tornando ai fondamenti dopo che la mostra ci ha fatto viaggiare tra numeri irrazionali e immaginari, complessi e logaritmi, portandoci da zero all’infinito attraverso simboli misteriosi come “p greco” ed “e”, passaggi intriganti come la radice di 2 e di -1, numero negativo, la quadratura del cerchio e il numero o sezione aurea.
Alla base ci sono i “numeri primi”, cioè quelli che hanno “due divisori distinti” , definiti già negli “Elementi” di Euclide, secondo cui esiste sempre un numero primo maggiore di qualunque numero, che porta all’attuale concetto di infinito pur se estraneo alla visione euclidea. Da loro si formano tutti gli altri numeri naturali per moltiplicazione; mentre i numeri primi non si creano per moltiplicazione ma con dei processi, per la loro generazione gli antichi usavano la procedura logaritmica detta “crivello di Ersatostene”, e in mostra è visualizzata la “spirale di Ulam” con tutti i numeri primi minori di 2015 ; altre famiglie di numeri primi sono quelli di Mersenne e di Fermat.
I numeri primi hanno portato a una rivoluzione nella crittografia, superando i vecchi metodi basati su cifratura e decifratura in base a una chiave segreta , con il sistema RSA (dagli ideatori Rivest, Shamir e Adleman), fondato su un teorema di Euler-Fermat secondo cui è facile generare numeri primi grandi ma estremamente difficile “determinare almeno un fattore di interi grandi accuratamente scelti”. Il teorema è della prima metà del ‘700, ma la sostanziale impossibilità di “fattorizzare tali interi grandi” rende sicure le attuali transazioni elettroniche , firma digitale compresa; anche questa utilizzazione pratica è possibile per le proprietà dei numeri primi. Non aggiungiamo altro sul tema che ha dato il titolo al romanzo di Paolo Giordano, “La solitudine dei numeri primi”, vincitore del Premio Strega 2008.
Il viaggio nella scienza, un itinerario affascinante
Termina il nostro viaggio nel quale all’approfondimento delle tematiche scientifiche, intriganti quanto complesse, si unisce l’ aspetto ludico da segnalare soprattutto per le scolaresche: le abbiamo viste nelle installazioni che riproducono i fenomeni con la partecipazione del visitatore, momenti di curiosità unita al divertimento che rendono la visita distensiva e non solo fonte di riflessione. Ciascuno vi ha potuto trovare conferme di conoscenze già acquisite e sorprese di nuove conoscenze.
“Da zero all’infinito” recita il sottotitolo della mostra attuale per il viaggio tra i “numeri”, “Fra il nulla e l’infinito” abbiamo definito a suo tempo il viaggio tra “Astri e particelle” della mostra del 2009; il percorso dell’umanità è stato esplorato, dall’“Homo sapiens” a “Darwin” alla “Via della Seta” fino ai “Meteoriti”, con il Pianeta visto dallo spazio, e al “Cibo”.
Tutti viaggi compiuti nel Palazzo Esposizioni con pari attenzione al lato spettacolare ed all’accuratezza e rigore della ricerca storica e scientifica. Attendiamo le prossime tappe di un itinerario sempre più affascinante.
Info
Palazzo delle Esposizioni, via Nazionale 194, Roma. Domenica, martedì, mercoledì, giovedì ore 10,00-20,00; venerdì e sabato 10,00-22,00, lunedì chiuso; entrata consentita fino a un’ora prima della chiusura. Ingresso: intero euro 12,50, ridotto euro 10,00 , da 7 a 18 anni euro 6, gratuito fino a 6 anni, gruppi euro 10 a persona e scuole euro 4 a studente (sabato, domenica e festivi, intero). Il biglietto permette di visitare anche le altre mostre in corso al Palazzo Esposizioni. Tel. 06.39967500, http://www.palaexpo.it/. Catalogo: “Numeri. Tutto quello che conta da zero a infinito”, di Claudio Bartocci e Luigi Civalleri, PalaExpo e Codice Edizioni, pp. 202, formato 20 x 24, dal Catalogo oltre che dai pannelli della mostra sono state tratte le notizie del testo. Il nostro primo articolo sulla mostra è in questo sito, “Numeri, da zero a infinito a Palazzo Esposizioni” 23 aprile 2015. Per le precedenti mostre sulla scienza al Palazzo Esposizioni citate cfr. i nostri articoli: in questo sito “Sulla Via della Seta. Le prime tappe al Palazzo Esposizioni” e “Sulla Via della Seta. Baghdad e Istanbul” 21 e 23 febbraio 2013, “Meteoriti e la terra vista dallo spazio al Palazzo Esposizioni” 5 ottobre 2014, “Cibo. 90 fotografie di National Geographic” 1° febbraio 2015 ; in http://www.antika.it/“Roma. La mostra “Homo sapiens’ al Palazzo Esposizioni” 7 gennaio 2012; in “cultura.inabruzzo.it” “Astri e particelle in mostra a Roma” 12 febbraio 2010, “Una mostra su Darwin a Roma”, 28 aprile 2009. La definizione “Fra il nulla e l’infinito” posta nella nostra conclusione con riferimento alla mostra “Astri e particelle” è il titolo di un libro sull’infinitamente grande unito all’infinitamente piccolo, di Eduardo Ioele, “Tra il nulla e l’infinito. Lo spazio di Dio”, Edizioni Ripostes, 2008, pp. 190.
Foto
Le immagini sono state riprese nel Palazzo Esposizioni da Romano Maria Levante, si ringrazia l’Azienda Speciale Expo con i titolari dei diritti per l’opportunità offerta. In apertura, “il senso dei numeri”, seguono nell’ordine di citazione nel testo, il numero zero, e “p greco”, poi la radice di 2 e la rappresentazione solida del teorema di Pitagora, quindi “i” con i numeri immaginari e la base “e”, inoltre i nmeri primi; in chiusura, un pannello che evoca il “Modulor” di Le Corbusier.
Affollato ancora più del solito l’annuale incontro con la stampa per la presentazione del Rapporto annuale sull’attività del Comando Carabinieri Tutela Patrimonio Culturale, che non si è svolto nella sede di via Anicia a Trastevere, ma nel Salone al Collegio romano del Ministero per i Beni, le Attività Culturali e il Turismo, quasi per dare maggiore solennità. Ha partecipato, con il comandante del corpo gen. Mariano Mossa e i collaboratori, il ministro Dario Franceschini.
Anche quest’anno il Rapporto è stato accompagnato dalla presentazione dei risultati di operazioni di successo nel contrasto e repressione della vendita illecita dei beni di rilevante interesse storico e dei beni archeologici risultanti da scavi clandestini per i quali è incessante la vigilanza con diversi metodi investigativi. Sono tre le operazioni che hanno portato al recupero di tre opere di rilevante valore artistico, il cui valore economico è valutato in oltre 30 milioni di euro: un complesso scultoreo di Mitra tauroctono, una tela di Pablo Picasso scomparsa , un dipinto del Carlevarijs.
Come sempre il recupero è legato ad attività investigative complesse, che configurano ogni volta trame intriganti degne della fantasia di un autore di romanzi polizieschi, cosa che ci ha indotto a riproporre l’idea di un serial televisivo del tipo di quello trasmesso dalla Rai negli anni ’80, alcune puntate di “Caccia al ladro d’autore. Ne parlò in un incontro del tipo di quello attuale l’allora sottosegretario al MIBAC Francesco M. Giro, rilanciammo l’idea più volte documentandoci su quel ciclo di trasmissioni, lo facciamo ancora certi che un nuovo ciclo trent’anni dopo abbia una ragion d’essere e un interesse anche maggiori. Le vicende legate alle tre operazioni di successo presentate ne sono un’ulteriore prova.
Il recupero del Mitra tauroctono del II-III sec. d. C.
Abbiamo accennato i metodi investigativi per il contrasto agli scavi clandestini, tra questi c’è il continuo monitoraggio sulle aree archeologiche maggiormente indiziate, come quelle di Roma e dell’Etruria meridionale, per le quali la zona di Fiumicino si è rivelata un crocevia del traffico dei beni scavati clandestinamente; monitoraggio fatto di vigilanza investigativa con il supporto delle informazioni disponibili in collaborazione con le Soprintendenze archeologiche competenti.
Ebbene, durante questi servizi di vigilanza, l’attenzione dei carabinieri è stata attirata da un furgone che trasportava piante ed altro materiale coperto da un telone, dall’aspetto anonimo ma preceduto da un motociclo con una Smart, quasi si trattasse del battistrada e della copertura di un trasporto speciale, una sorta di staffetta dal tratto autostradale che è stata bloccata nei pressi del Museo delle Navi di Fiumicino. La “scorta” si è data alla fuga, mentre sotto il telone del furgone è stato trovato un complesso marmoreo, una figura maschile che abbatte un toro, e intorno dei piccoli animali. Subito la statua è stata sequestrata e l’autista del furgone noleggiato arrestato per ricettazione.
La Soprintendenza speciale dei Beni Archeologici di Roma, subito interessata, ha considerato l’opera come un “Mitra tauroctono” tipica iconografia del dio Mitra di straordinario valore storico ed archeologico. Il complesso marmoreo era destinato alla Svizzera per essere messo sul mercato illecito internazionale, come è emerso dalle perquisizioni in cui sono state trovate mappe della Confederazione elvetica con indicazione di itinerari ed altri elementi su cui sono in corso indagini.
Non finisce qui l’impegno investigativo, a questo punto interessava individuare la zona di provenienza. Sulla base dei dati storici e artistici si è risaliti alle aree archeologiche di Tarquinia e Volsci, mentre i dati scientifici ricavabili dall’opera, tra cui la data presumibile dello scavo, incrociati con la mappatura degli scavi clandestini monitorati, hanno consentito di restringere l’area indiziata.
Così una campagna di scavo di urgenza avviata dall’articolazione territoriale del Mibact ha portato ad individuare il luogo esatto dove è stato trafugato il complesso marmoreo; e a recuperare parti staccatesi dal complesso nel trafugamento, in particolare un cane rampante e una testa di serpente combaciante con il resto della scultura. Ma c’è di più, oltre all’ambiente che ospitava la statua, di evidenti funzioni sacre, sono stati rinvenuti altri 8 ambienti, con reperti importanti: tra cui pavimentazioni a forme floreali in materiale fittile, pavimentazione mosaicata ed altri frammenti in marmo. Quasi il botto finale nei fuochi pirotecnici di un operazione di successo.
Il sequestro del dipinto di Pablo Picasso e il recupero di quello seicentesco di Luca Carlevarijs
Due vicende diverse con il risultato comune dell’individuazione e recupero di opere di alto valore.
Per il “Violin e bouteille de bass” di Picasso, di cm 54 x 45, presente nell’edizione 1961 del catalogo Zervos, sono in corso accertamenti sulla provenienza originaria, dato che le circostanze tanto sorprendenti da apparire incredibili anche se gli accertamenti del CNR hanno fugato i dubbi sull”autenticità dell’opera che avevano fatto scattare le indagini.
Tutto è nato dalla richiesta avanzata dalla casa d’aste Sotheby’s all’Ufficio Esportazioni di Venezia dell’attestato di libera circolazione del dipinto attribuito a Picasso, per un valore dichiarato di 1,4 milioni di euro ritenuto troppo esiguo al punto di farlo ritenere un falso attivando la sezione Falsificazioni ed Arte Contemporanea del reparto Investigativo del Comando. Carabinier TPC.
Ed ecco la storia su cui sono in corso ulteriori accertamenti. L’incarico a Sotheby di vendere l’opera era stato dato da un corniciaio in pensione, che l’aveva ricevuta nel 1978 come compenso volontario per una riparazione di un portafotografie della moglie scomparsa al vetro rotto da una domestica effettuata gratuitamente data la sua semplicità.
Aveva tenuto il quadro senza cautele per 36 anni credendolo senza valore fino a quando per caso ha conosciuto la possibile attribuzione, di qui la richiesta di vendita a Sotheby. Una storia che ha dell’incredibile, ricorda la “realtà romanzesca”, anche qui c’è materia per una fiction di successo.
Per il recupero dell’opera di Luca Carlevarijs, artista vissuto tra il 1665 e il 1731, “Veduta di Piazza San Marco dall’attracco delle gondole”, di cm 122 x 59, tutt’altra storia. Ne è stata accertata la provenienza furtiva, essendo stata sottratta dalla casa di un privato collezionista il 28 aprile 1984; ed inserita nel “Bollettino delle ricerche delle opere d’arte rubate” dei Carabinieri.
Il dipinto è stato trovato presso un mediatore d’arte, insieme a 190 foto di opere pittoriche compresa quella del quadro in questione, durante una perquisizione nella sua abitazione essendo indiziato di ricettazione ed esportazione illecita di un importante dipinto individuato negli USA; gli indizi hanno trovato conferma con l’acquisizione di prove di un vasto traffico illecito diopere d’arte con la Svizzera, avendo per destinazione finale gli appassionati d’arte americani. Dal mediatore si è avuto il nominativo del collezionista che gli aveva fornito l’opera, indagato per ricettazione.
Sono solo le ultime operazioni delle tante svolte con successo di cui dà conto il Rapporto 2014.
Dai titoli di stampa la sequenza mensile di una fiction vera
L’elegante fascicolo con cui sono presentati i risultati contiene, oltre alle tabelle e al testo, la riproduzione di articoli di quotidiani del 2014 su una serie di successi mese per mese..
Citiamo questi titoli, più eloquenti di una ponderosa relazione, formano un canovaccio intrigante, quasi puntate mensili di una fiction appassionante che è realtà tangibile di tutti i giorni.
Gennaio, “Papà e figlia trovati con le mani nel tesoro”, “Dopo un buon restauro il violino tornerà a splendere” (Il Resto del Carlino).
Febbraio, “Oltre 3 mila reperti d’arte ritrovati dai Carabinieri” (Il Tempo).
Marzo, “L’alleanza preti-carabinieri riduce i furti di opere d’arte” (La Nuova).
Aprile, “Torna a casa il quadro trafugato 80 anni fa” (La Stampa).
Maggio, “Tela d’autore rubata in villa. Mercante d’arte finisce a processo” (Corriere Mercantile).
Giugno, “Trafugata dai nazisti la Vergine torna a casa” (Il Giorno), “Carabinieri TPC recuperano pere d’arte sparite: nei guai restauratore” /(La Nazione).
Luglio, “Scoperto il mago del metal detector. S’impossessava dei reperti archeologici” (Il Resto del Carlino), “Il ‘San Luca’ di Bellotti torna alla Cini” (La Nuova).
Agosto, “Il reliquario di san Teobaldo torna al Duomo dopo 31 anni” (La Stampa), “Quadro rubato dai nazisti, ritrovato e restituito alla Brigata Bersaglieri ‘Garibaldi’” ((Il Mattino).
Settembre, “A Villa Margherita i tesori salvati dall’Arma” (La Stampa), “Chiese saccheggiate, due arresti dei carabinieri” (Il Resto del Carlino).
Ottobre, “Lasciano il Museo, 9 preziosi pannelli lignei trafugati” (Il Gazzettino di Bassano-Vicenza), “Carabinieri TPC ritrovano un antico quadro rubato 13 anni fa” (Corriere dell’Umbria).
Novembre, “Furti d’arte sacra, la pista porta in Romania” (Bresciaoggi.it), “Quadro rubato a Roma ritrovato dai Carabinieri del TPC a Perugia: vale un milione” (Romacorriere.it), “I ladri fermati dai Carabinieri del nucleo TPC” (La Sicilia).
Dicembre, Pronti a piazzare le opere d’arte rubate al ‘signor Rolex'” (Corriere dell’Umbria)..
Il Rapporto 2014 sull’attività dei Carabinieri del Comando TPC
E’ difficile a questo punto passare al freddo linguaggio delle cifre dell’attività di contrasto e di tutela che sono il cuore del Rapporto, insieme all’esposizione dei compiti assegnati. Ma alcune vanno citate per documentare i successi ottenuti non solo rispetto ad operazioni di particolare rilievo, ma anche rispetto alla tendenza generale dell’attività criminosa.
Il Comandante. Gen. Mariano Mossa ha sottolineato l’ulteriore diminuzione dei furti di opere d’arte (- 10% circa), l’aumento delle scoperte di scavi clandestini ( +20%) e del numero di opere false sequestrate (+ 52% circa)”, l’aumento dei deferimenti all’Autorità Giudiziaria (+ 3%).
Nel 2014 i furti di opere d’arte sono stati 609, di cui 105 nel Lazio, :concentrati soprattutto nelle chiese (267) e presso i privati (242) mentre, nota positiva, nei musei sono stati solo 23, tra cui 4 statali e 15 comunali. I furti nelle chiese, pur se rilevanti, sono diminuiti del 20% circa per l’opera di prevenzione, anche se il numero di oggetti trafugati è aumentato del 2,4%. E’ un settore che continua a destare preoccupazione per la difficoltà di tutelare un patrimonio importante sotto il profilo non solo storico e artistico ma anche religioso e umano, molto diffuso sul territorio e poco protetto. Con la pubblicazione delle “Linee guida per la tutela dei beni culturali ecclesiastici” richieste dalla CEI si è dato un importante contributo alla loro migliore protezione e inventario.
Gli scavi clandestini scoperti sono 59, rispetto ai 49 del 2013, e 127 persone denunciate all’Autorità Giudiziaria. I reperti di minor valore e le monete sono destinati al mercato interno, quelli più importanti al mercato estero. E’ un crimine disposto lungo una filiera, dai tombaroli che scavano clandestinamente, al ricettatore locale al quel vendono a poco prezzo i materiali frutto degli scavi, ai ricettatori di maggiore livello organizzati in associazioni a delinquere che inseriscono i reperti sui mercati nei momenti propizi simulando la liceità della provenienza con una serie di artifici.
L’aumento dei sequestri di opere d’arte falsificate è reso da cifre inequivocabili, dai 112 falsi sequestrati nel 2013 per un valore di 32 milioni di euro, nel 2014 si è passati al sequestro di 1687 falsi per un valore di ben 427 milioni di euro: un successo, sì, ma il rovescio della medaglia è la recrudescenza del fenomeno della falsificazione, che si avvale di tecniche raffinate e riguarda sia l’arte contemporanea, sia l’arte antica anche con false certificazioni che spesso gonfiano il valore. L’azione di contrasto utilizza anche il controllo dei mercati e dei soggetti a rischio, nonché il monitoraggio delle piattaforme digitali delle case d’aste e delle altre vendite anche televisive.
Per la tutela del paesaggio i dati documentano l’azione svolta attraverso controlli sistematici che hanno portato al deferimento di 307 persone (273 nel 2013) e al sequestro di 15 immobili e 3 aree protette., per un valore di 22 milioni di euro.
L’attività svolta complessivamente dal Comando carabinieri TPC parte dai riscontri attraverso la Banca dati dei beni culturali illecitamente sottratti: sono stati riscontrati 183.857 oggetti nei controlli presso esercizi privati, Musei e gallerie, inseriti 2600 eventi e 11.000 beni culturali, individuati per tale via 592 beni trafugati. Sono stati sequestrati beni culturali per 80 milioni di euro, non comprendendo i beni archeologici restituiti da soggetti stranieri e i falsi, recuperati 38.488 beni culturali, ai quali vanno aggiunti circa 18.000 reperti archeologici, e 7.000 beni di numismanza archeologica; sequestrati 79.214 beni di natura paleontologica e riscontrati 93 illeciti di natura amministrativa. All’Autorità Giudiziaria sono state deferite 1.301 persone con un aumento del 3,3% rispetto alle 1.260 nel 2013, tra loro 10 con restrizione della libertà personale.
Il Rapporto 2014 fornisce anche un quadro dell’attività di prevenzione, che ha visto operare 3.453 controlli agli esercizi interessati, 1686 alle aree archeologiche e 1.74 alle aree paesaggistiche anche con gli elicotteri; e di monitoraggio degli esercizi antiquariali con vari sistemi e strumenti. E indica le linee evolutive dell’attività di contrasto, anche rispetto all’evoluzione del mercato illecito dei beni culturali, in campo internazionale e via Web. Si conclude con un excursus sulle altre attività, dalla
formazione alla cooperazione, fino alla mostra al Quirinale sui Tesori recuperati e al secondo Corso universitario di perfezionamento sugli elementi storici e scientifici per l’azione di contrasto.
Non poteva mancare il plauso del Ministro Franceschini, assediato al termine da una selva di microfoni , ulteriore prova dell’interesse verso questo settore cruciale per il nostro paese impegnato a custodire, e valorizzare, l’alta quota di beni culturali patrimonio dell’umanità di cui dispone.
E’ un impegno delicato e difficile, perché proprio la presenza ampia e diffusa di beni culturali, unita alla forza di attrazione esercitata su collezionisti e investitori internazionali e all’elevata rimuneratività costituisce, come ha detto il gen. Mossa nell’introdurre il rapporto denso di numeri, “un substrato altamente fertile per lo sviluppo dei traffici illeciti”.
‘Sono numeri – ha osservato il ministro Franceschini – che dimostrano il lavoro enorme compiuto dai Carabinieri, ma anche quanto ancora dobbiamo difenderci, ad esempio, dalle opere di scavo clandestino”. E ha citato i riconoscimenti internazionali, sottolineando in particolare i corsi organizzati dal Comando, oltre che per i paesi dell’U.E., anche per Russia e Spagna, Macedonia e Palestina, Equador e Salvador. Infine, sui “caschi blu” dell’ONU a protezione del patrimonio culturale internazionale, ha detto che ”anche su questo fronte l’Italia deve tenere un ruolo guida”.’
La dissennata distruzioni di reperti millenari ad opera dei fondamentalisti islamici, come avvenne ad opera dei talebani anni orsono, rende questo tema un’emergenza di importanza sempre maggiore e di stingente attualità.
Info
Cfr. i nostri precedenti servizi sulle presentazioni di importanti recuperi, nel 2015 in questo sito “Carabinieri TPC, recuperati 5000 reperti archeologici” 25 gennaio; per gli anni precedenti su http://www.antika.it/ . Inoltre cfr. i nostri servizi in questo sito e in quello appena citato sulle mostre organizzate dal Centro Europeo per il Turismo a Castel Sant’Angelo con le opere recuperate dalle forze dell’ordine.
Foto
Le immagini sono state fornite dal Comando Carabinieri per la Tutela del Patrimonio Culturale, che si ringrazia. In apertura, i due dipinti recuperati affiancati; seguono il “Mitra tauroctono”, II-III sec. d. C., e il dipinto di Pablo Picasso, “Violin et bouteille de bass”, quindi il dipinto di Luca Carlevarijs, “Veduta di Piazza San Marco dall’attracco delle gondole”, e un primo piano del “Mitra tauroctono”; in chiusura, un precedente recupero dell’agosto 2013, del tipo di quello presentato, di due dipinti di Paul Gauguin e Pierre Bonnard, con il ministro Franceschini a sin. e il comandante Mossa a dx.
Al Palazzo Esposizioni, dal 16 ottobre 2014 al 31 maggio 2015, la mostra “Numeri. Tutto quello che conta da zero a infinito”, presenta un viaggio nel mondo dei numeri in 5 “moduli” e 6 “crocevia” nei quali ne vengono esplorati i diversi aspetti: dal significato al valore dei numeri, dagli strumenti di misura agli enigmi in essi racchiusi o con essi risolti, dai numeri naturali a quelli irrazionali, immaginari e complessi fino ai misteri della quadratura del cerchio e del numero aureo, con i grandi matematici e le installazioni dimostrative di tono ludico. In programma, sperimentazioni e visite guidate per la scuola secondaria, attività e laboratori per famiglie, scuole per l’infanzia e primarie, oltre a speciali iniziative e manifestazioni per tutti gli interessati. La mostra, organizzata dall’Azienda speciale PalaExpo con Codice, Idee per la Cultura, è curata da Claudio Bartocci, coordinatore scientifico Luigi Civalleri, entrambi curatori del catalogo PalaExpo – Codice Edizioni, nel quale la carrellata visiva della mostra è tradotta in un altrettanto affascinante iter specialistico.
Il Palazzo Esposizioni prosegue nel suo impegno di seguire il cammino della scienza, impostazione inconsueta per sedi espositive dedicate all’arte, e per questo meritoria data l’importanza della scienza nella storia dell’umanità e nella vita di tutti. E affronta i problemi della divulgazione in forme consone alla spettacolarizzazione espositiva, per mantenere viva l’attenzione del visitatore.
Il senso di una mostra insolita e intrigante
Vittorio Bo, presidente di “Codice Idee per la Cultura”, nel ricordare le precedenti esposizioni “Darwin”, “Homo Sapiens” e “Sulla Via della Seta”, ha affermato: “Sono ‘storie di storie’, in cui il cosiddetto storytelling era aiutato dai personaggi, dalle loro vite, dai popoli delle grandi migrazioni e dalle molteplici forme cui potevamo ispirarci per rendere vivo il cammino del visitatore, accompagnandolo verso sorprendenti traguardi”. Ci si è messi “nei panni di un visitatore, grande o piccolo che fosse, per raccontare le origini dell’uomo, i suoi grandi viaggi, i mutamenti sociali, tecnologici, linguistici”, temi vicini ai suoi interessi e alla sua sensibilità. “Con ‘Numeri’ la scommessa è più ardita perché partiamo da concetti, da astrazioni, per cercare di rendere altrettanto vivo il cammino e l’esperienza di chi vorrà seguirci”.
La soluzione, in realtà, è stata quella di partire ugualmente dall’uomo per giungere ai concetti e alle astrazioni: l’uomo con le sue esigenze e i suoi problemi risolti dai numeri, l’uomo con le sue ricerche e scoperte che hanno rivelato a poco a poco, lungo una storia infinita, i segreti della natura racchiusi nei numeri. E la mostra è punteggiata di citazioni dei grandi ricercatori, fino a costituire sezioni dedicate; soprattutto il Catalogo ne è costellato in ogni sua parte, tanto che prima di essere una galleria di concetti e di astrazioni è una galleria dei personaggi dai quali sono state elaborati i teoremi e le teorie, oppure studiati i metodi e gli strumenti per penetrare con i numeri tali segreti.
Il presidente dell’Azienda Speciale PalaExpo e della Quadriennale di Roma, Franco Bernabè, la considera “quasi una sfida” raccolta per il “successo di critica e di pubblico delle mostre a carattere scientifico” precedenti, e cita, oltre a quelle prima ricordate, anche “Astri e particelle. Le parole dell’Universo” dove non vi era il fattore umano; e, aggiungiamo noi, non vi era possibilità di evocarlo come in “Cibo” con la presenza dominante delle persone al lavoro nei diversi continenti, sui campi e nei laboratori scientifici, o nelle città con le suggestive foto di National Geographic; o come in “Meteoriti” in cui lo stupore per i corpi piovuti dall’alto era il cuore delle testimonianze. Ma l’umanità non resta estranea perché i numeri, “nonostante un pregiudizio infondato che li vuole distanti, inaccessibili e freddi, sono infatti il disegno nascosto che governa, in misura tanto misteriosa quanto affascinante, l’armonia del mondo. Rappresentano il vocabolario e la grammatica in cui si esprime non solo la descrizione dei fenomeni naturali, ma anche, non di rado, la speculazione filosofica e artistica”. Così Bernabè ne riassume le molteplici valenze.
Anche qui ci sono personaggi, come Pitagora e Archimede, Euclide e sant’Agostino, Gauss e Cantor, Nepero e Fibonacci, Catalan e Lucas, Leclerc e Pascal, Eulero e Leibniz, per non parlare di Aristotele e Platone e dei tanti altri protagonisti che vengono citati per ogni avanzamento del sapere matematico; Einstein figura solo con una citazione e una foto all’ingresso.
Viene data una risposta all’intrigante interrogativo su “quanto l’uomo, dagli albori della sua storia sino al nostro secolo conti”, considerando – osserva sempre Bernabè – che “i numeri, tuttavia, non sono solo gli elementi fondanti del discorso scientifico, essi esercitano anche un fascino profondo sulle arti, la letteratura, l’architettura e la musica”.
Esercitano un fascino anche sul pubblico, aggiungiamo, se a distanza di poco tempo, di recente, sono apparse nelle edicole due collane dedicate appunto ai misteri e al fascino dei numeri e dei loro cultori, una di “Mondo matematico” con oltre 15 titoli, l’altra del “Corriere della sera” con oltre 35 titoli dall’intestazione eloquente “La matematica come un romanzo”.
Come avvicinare ai numeri, “distanti, inaccessibili e freddi”?
Il sindaco di Roma Ignazio Marino ha osservato che ” il sottotitolo della mostra ‘Numeri. Tutto quello che conta da zero a infinito’, gioca volutamente con il celebre aforisma di Einstein ‘Non tutto ciò che conta può essere contato’, e introduce al senso di questa iniziativa: “Avvicinare tutti a un tema senza la cui conoscenza difficilmente potremmo capire ciò che ci circonda, dalla più piccola particella della materia all’Universo”.
Come avvicinare al tema dei numeri dal quale dipende la conoscenza dell’infinitamente piccolo e dell’infinitamente grande, mondi retti da equilibri rigorosamente numerici, tali da farne escludere la fonte da un evento causale e farli ricondurre ad una somma intelligenza di natura trascendente?
La mostra lo fa con un percorso, insieme didattico e spettacolare, che di volta in volta propone e svela i grandi misteri della matematica mediante rappresentazioni visive e reperti, semplici illustrazioni e incroci spazio-temporali, fino alle installazioni interattive che fanno la gioia delle scolaresche, e non solo, in quanto rendono accessibili i complessi labirinti del sapere.
Il percorso si snoda in 5 moduli che riguardano il senso dei numeri con il loro significato e l’atto del contare, fatto di gesti, segni e cifre diversi secondo i tempi e i luoghi; poi gli strumenti per calcolare utilizzati dall’uomo nelle varie epoche e i modi di misurare con i diversi tipi di numeri e le applicazioni, dalla vita quotidiana all’universo, per terminare con gli enigmi dei numeri primi.
Lungo l’itinerario vi sono 6 crocevia dedicati ai numeri più significativi e ai grandi matematici – la galleria di personaggi di cui abbiamo parlato – con delle “finestre” tematiche: I numeri naturali, 1, 2 ecc., con una finestra sulla loro “mistica”, poi la radice di 2 e il numero aureo con Pitagora, la “divina proporzione dell’arte”; quindi una vera cavalcata, il “p greco” e Archimede, il numero “e” con Eulero, i logaritmi e la matematica applicata alla musica, il numero immaginario “i” con Gauss e i frattali, “0” e l’ “infinito” e i matematici al-Khwarizmi, e Cantor.
Il viaggio nel mondo dei numeri
E’ un viaggio affascinante quello che la mostra offre al visitatore, con la successione di pannelli esplicativi e installazioni, reperti e strumenti – 20 prestatori tra istituzioni di Italia, Francia e Belgio, Germania e Usa – schemi e immagini, in una spettacolare quanto stimolante galleria.
Come è intrigante la frase, che domina all’ingresso come un ammonimento dantesco al contrario: “Non preoccuparti delle tue difficoltà in matematica; posso assicurarti che le mie sono ancora maggiori”. Bernabè nella Presentazione ha ricordato che “la matematica la studiamo sui banchi di scuola, la approfondiamo all’università, la ascoltiamo nei festival della scienza e nelle conferenze”, mentre dei numeri non si può ignorare “la diffidenza che suscitano in molti di noi”.
Ebbene, le parole appena citate di Albert Einstein servono a dissiparla, per questo la sua figura domina l’ingresso ed è preso a “testimonial” della mostra, anche se poi non si parla più di lui. Il motivo lo sottolinea un giovane professore impegnato nell’illustrare praticamente l’uso dei Bastoni di Nepero a una folta classe di studenti per passare poi alle altre sezioni della mostra: “Einstein era un fisico, non un matematico, quindi non rientra nel mondo nei numeri, ma le sue parole rivolte a una bambina di nove anni sono un incoraggiamento soprattutto per gli studenti”.
Infatti li vediamo affollarsi alle postazioni, ascoltare il professore, abbandonarsi con interesse alle sperimentazioni che popolano la mostra dove il gioco si unisce all’apprendimento. Il viaggio inizia con la domanda se “calcolare è umano”, dal Filebo di Platone secondo cui nel calcolo, che è estraneo al mondo animale, si riassume l’umanità. In realtà alcune operazioni elementari sono accessibili anche ad alcune specie, come i cani, mentre per i calcoli più complessi la mente umana non basta, quindi si è cercato il supporto di metodi e strumenti di misura.
La mostra risale agli Egiziani con l'”ostracon ieratico” del 1100 a.C., e ai Babilonesi, con la tavoletta dell’Esagila del 229 a. C., per progredire con la “misura del tempo” e i calendari, come quelli evocati dai due bassorilievi dei Maya, 600-800 e degli Atzechi, 1350-1521; e con gli strumenti di calcolo a partire dall’abaco del VI sec. d.C e dai più antichi pallottolieri: troviamo i Bastoni di Nepero e i regoli di Genaille-Lucas di fine XIX sec.,la “Pascalina” di Pascal e il “tamburo differenziato” di Leibniz del XVII sec., gli “aghi di Buffon” del 1777 tra le prime misure probabilistiche e le prime macchine calcolatrici, con la “Difference Engine”, macchina differenziale di Babbage del 1823 che anticipa i computer. Infine le calcolatrici del ‘900, dalle prime addizionatrici alla Divisumma fino alle macchine da calcolo elettroniche degli anni ’60 e ai regoli calcolatori, dai più antichi a quelli di uso in epoca relativamente recente.
Le macchine moderne sono esposte insieme ai reperti e alle ricostruzioni degli strumenti più antichi già citati ed evocano i progressi lenti ma continui prima dell’irruzione dei computer, cui la mostra non arriva. E’ esposto anche il meccanismo crittografico per le comunicazioni cifrate dell’ultima guerra, “Enigma”, una sorta di macchina da scrivere con dei rotori, ne fu però decifrato il codice segreto con ripercussioni sull’andamento di importanti operazioni belliche.
Tra le applicazioni pratiche dei numeri vengono evidenziati i “numeri della ricchezza” nelle monete e banconote, e i “numeri della vita” nella statistica; nonché i “numeri della realtà” cioè i modelli che simulano i fenomeni trasformandoli in espressioni numeriche, la curva “gaussiana” ne esprime la distribuzione statistica ; fino ai “numeri dello spazio” che definiscono le posizioni dei corpi celesti secondo regole ben precise, anche qui si utilizza la “gaussiana”, e ai “numeri della musica”, con il “temperamento equabile” degli accordatori, l’ottava divisa in dodici parti uguali.
L’esigenza di “misurare il mondo” ha portato alla definizione di standard universalmente riconosciuti. Nella mostra non ci si limita a presentare le unità di misura ben note; c’è un video particolarmente suggestivo con la visualizzazione delle potenze del 10 utilizzate come incredibili strumenti di misura dall’infinitamente grande della visione cosmica all’infinitamente piccolo della struttura interna dell’atomo fino al nucleo, penetrando con il video nella pelle fino alle cellule e addirittura al Dna di cui vengono filmate le caratteristiche strutture a doppia elica.
Abbiamo accennato a metodi e strumenti, alle applicazioni e alla visualizzazione più spettacolare, la mostra fa poi entrare nel mondo dei numeri fino agli “enigmi dei numeri primi” nei “crocevia” in cui vengono posti in primo piano i capisaldi significativi, cominciando dai “numeri naturali” .
Troviamo i numeri pari e dispari di Pitagora e Aristotele, i numeri quadrati e oblunghi di Platone e i numeri piani e solidi di Euclide, i “quadrati magici” e le famiglie di numeri, i numeri figurati a forma triangolare, fino al ben noto Triangolo di Tartaglia preceduto da forme numeriche indiane e islamiche, come il triangolo numerico di Yang Hui del XIII sec. citato nel trattato di Zhu Shìjié dal titolo suggestivo . “Lo specchio di giada delle quattro incognite”.
Poi, da questi scenari da “Mille e una notte” , si passa a temi apparentemente astrusi ma presentati in una forma divulgativa gradevole: lo zero e l’infinito, il “p greco” e la radice di 2, i numeri irrazionali e il numero aureo, il fatidico “e” con i logaritmi, e “i” con i numeri immaginari, stimolano l’interesse e la memoria secondo gli studi di provenienza del visitatore.
Le installazioni interattive
Prima di dare conto dei temi matematici vogliamo citare una serie di installazioni che consentono al visitatore di entrare virtualmente e in modo interattivo nella problematica che viene evocata .
Una postazione visualizza le sezioni del cervello e si attiva premendo i sei settori deputati a distinguere le immagini e i suoni, a comprendere il linguaggio e le parole, a coordinare i movimenti e infine a contare.
Poi la sfida a calcolare il numero dei fagioli o delle spugnette, mediante operatori elettronici attivati manualmente, il pensiero torna al giuoco televisivo che divenne molto popolare per il quiz sul numero dei fagioli in un barattolo, qui i fagioli, e non solo, sono in un grande contenitore posto sulla parete dietro le manopole per il calcolo.
Il livello culturale si innalza , mentre quello scientifico e spettacolare è sempre elevato, con le due postazioni che collegano alla grande storia e alla musica: nella prima il visitatore può agire con una sorta di orologio universale per rintracciare nel tempo gli eventi con le date che appaiono in una grande proiezione circolare sulla parete; nella seconda spostando dei blocchetti in senso longitudinale posti su un’apposita installazione, cambiano le note e gli accordi musicali, come se si rappresentasse il “temperamento equabile”, con la divisione di un’ottava in dodici parti uguali per avere i semitoni, tuttora impiegato dagli accordatori. La matematica vera e propria irrompe con il Triangolo di Tartaglia, croce e delizia per generazioni di studenti, che si materializza in alto nella penombra assumendo colorazioni, e numerazioni sempre diverse, in un’altra sfida intrigante e spettacolare.
Poi i Bastoni di Nepero con un parete magnetizzata su cui applicarli secondo le regole del calcolo, abbiamo seguito un professore mentre ne mostrava l’applicazione pratica ai suoi studenti; così per i Regoli di Genaille-Lucas, delle lunghe bacchette numerate da usare opportunamente.
Un postazione fa calcolare il “p greco” in modo per così dire personalizzato, ponendosi su una pedana; in un’altra postazione salendo su una pedana si calcolano le proprie misure, tiene anche al contabilità dei visitatori con le relative misure aggregate.
E ancora l'”insieme di Julia” con un grande cilindro verde per arrivare ai “frattali”, fino all’albergo di Hilbert, entrando tra due specchi altissimi la propria immagine viene moltiplicata all’infinito: è il paradosso del Grand Hotel con infinite camere tutte occupate, in cui si può sempre trovare posto per nuovi ospiti singoli o infiniti spostando i presenti ogni volta su nuove stanze.
Per finire con la saletta della statistica, dove una serie di video trasmette valori continuamente aggiornati di molteplici fenomeni della vita reale.
Le installazioni le abbiamo riprese e anche provate personalmente, mentre intere scolaresche facevano a gara nel cimentarsi nella simulazione di problemi e fenomeni spesso complessi. E’ anche questo il segreto della mostra, alla base del suo successo dimostrato dall’apertura per sette mesi e mezzo e dal continuo afflusso di visitatori. I momenti apparentemente ludici sono in realtà una forma pratica e coinvolgente per entrare nella materia, fino ai suoi aspetti specialistici.
Ma ora va seguito il percorso della mostra nei suoi moduli e nei crocevia insieme didascalici e spettacolari: racconteremo presto questo viaggio intrigante nel mondo dei numeri.
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Palazzo delle Esposizioni, via Nazionale 194, Roma. Domenica, martedì, mercoledì, giovedì ore 10,00-20,00; venerdì e sabato 10,00-22,00, lunedì chiuso; entrata consentita fino a un’ora prima della chiusura. Ingresso: intero euro 12,50, ridotto euro 10,00 , da 7 a 18 anni euro 6, gratuito fino a 6 anni, gruppi euro 10 a persona e scuole euro 4 a studente (sabato, domenica e festivi, intero). Il biglietto permette di visitare anche le altre mostre in corso al Palazzo Esposizioni. Tel. 06.39967500, http://www.palaexpo.it/. Catalogo: “Numeri. Tutto quello che conta da zero a infinito”, di Claudio Bartocci e Luigi Civalleri, PalaExpo e Codice Edizioni, pp. 202, formato 20 x 24, dal Catalogo oltre che dai pannelli della mostra sono state tratte le notizie del testo. Il secondo e ultimo articolo, “Numeri, conferme e sorprese a Palazzo Esposizioni”, è previsto in questo sito il prossimo 26 aprile. Per le precedenti mostre sulla scienza al Palazzo Esposizioni citate, cfr. i nostri articoli: in questo sito, “Sulla Via della Seta. Le prime tappe al Palazzo Esposizioni” e “Sulla Via della Seta. Baghdad e Istanbul” 21 e 23 febbraio 2013, “Meteoriti e la terra vista dallo spazio al Palazzo Esposizioni” 5 ottobre 2014, “Cibo. 90 fotografie di National Geographic” 1° febbraio 2015 ; in http://www.antika.it/, “Roma. La mostra “Homo sapiens’ al Palazzo Esposizioni” 7 gennaio 2012; in “cultura.inabruzzo.it”, “Astri e particelle in mostra a Roma” 12 febbraio 2010, “Una mostra su Darwin a Roma”, 28 aprile 2009.
Foto
Le immagini sono state riprese nel Palazzo Esposizioni da Romano Maria Levante, si ringrazia l’Azienda Speciale Expo con i titolari dei diritti per l’opportunità offerta. In apertura, Einstein, testimonial della mostra, all’ingresso; seguono due antiche testimonianze di misura del tempo, un bassorilievo maya del 600-900, e un bassorilievo atzeco del 1350-1521, poi due installazioni interattive, la prima per il calcolo di grandi quantità incognite, fagioli e spugnette, la seconda per muoversi sulla scala musicale con il “temperamento equabile”; quindi il triangolo di Tartaglia e i bastoni di Nepero, inoltre il calcolo interattivo personalizzato del “p greco” e l’insieme di Julia con i frattali; in chiusura, l’installazione con visualizzate le zone del cervello con le rispettive funzioni.
Al Vittoriano, nella Gipsoteca, lato Ara Coeli, dal 1 ° aprile al 20 maggio 2015 la mostra “Treccani 1925-2015. La Cultura degli Italiani” celebra i novant’anni dell’Istituto creato da Giovanni Treccani nel 1915, che ha pubblicato oltre ai 35 volumi dell’Enciclopedia Italiana con 24 volumi di aggiornamento, e ad 81 volumi del Dizionario Biografico degli Italiani del programma iniziale, altre prestigiose realizzazioni, ciascuna in più volumi: il Dizionario Enciclopedico Italiano, il Lessico Universale Italiano e una serie di enciclopedie: tematica, l’Enciclopedia dell’Arte antica, classica e orientale; e specialistiche, Enciclopedia Giuridica ed Enciclopedia delle Scienze Sociali, Enciclopedia dell’Arte Medievale ed Enciclopedia delle Scienze Fisiche, Enciclopedia dei Papi ed Enciclopedia Archeologica, Enciclopedia del Cinema ed Enciclopedia della Moda, fino all’Enciclopedia dei Ragazzi, e ai più recenti Fridericiana e Scienza e Tecnica. Realizzata da “Comunicare Organizzando” di Alessandro Nicosia. Catalogo dell’Istituto Treccani.
Dopo i 90 anni della Radio, e dell’Istituto Luce, al Vittoriano si celebrano i 90 anni di un’altra istituzione, l’Enciclopedia Treccani. Forse chiamarle istituzioni, la Radio e la Treccani, può sembrare retorico, invece è addirittura riduttivo: perché non sono rimaste al di fuori, come avviene per le istituzioni paludate, ma sono entrate nella vita degli italiani, anche se in modo molto diverso. La radio come compagna quotidiana e palestra di sogni, la Treccani come sogno proibito presente nello sfondo, è stato per decenni il trenino elettrico della cultura irraggiungibile ai più come quello dei giochi.
Il pensiero va alla Treccani storica, prima degli aggiornamenti che ne hanno dilatato le dimensioni facendola restare al passo dei tempi; alla Treccani contenuta nel mobiletto compatto, che abbiamo rivisto nell’esposizione, con i volumi stretti come le quadrate legioni di una formazione invincibile.
La Treccani nelle parole del presidente Mattarella
Il presidente della Repubblica Sergio Mattarella, nel suo messaggio di saluto, ha affermato che “l’attività dell’Istituto si è sempre intrecciata indissolubilmente con la storia culturale del nostro paese”, e ne ha riassunto con efficacia la storia, il ruolo e l’importanza.
“Per la prima volta si ebbe l’intuizione di coniugare la storia della cultura con l’evoluzione linguistica, in un momento cruciale per il processo di alfabetizzazione del paese”, e lo si è fatto con “un grande progetto teso a conferire unità alla molteplicità dei saperi scientifici e umanistici insieme”, alla cui realizzazione hanno dato il loro apporto i più autorevoli docenti e scienziati, intellettuali ed esperti delle diverse discipline.
L’Enciclopedia nazionale nello stesso tempo è stata “in grado di favorire la diffusione a tutti i livelli del grande patrimonio culturale italiano nel mondo. E capace di soddisfare un lettore attento ed esigente, animato dalla volontà di conosce e dal desiderio di crescere con la cultura”.
Novant’anni sono tanti, ma “Treccani ha sempre creato opere al passo dei tempi attente a cogliere i nuovi ambiti del sapere e della conoscenza”. E non è stata un’attività di ordinaria amministrazione, limitata al programma iniziale: “Negli anni il catalogo dell’Istituto si è arricchito di contributi divenuti delle pietre miliari nelle rispettive discipline”. Ma c’è di più:, lo ha fatto “indicando allo stesso tempo un percorso metodologico di ricerca e presentandosi non solo come un punto di arrivo ma soprattutto un punto di partenza per nuovi aggiornamenti, in una visione aperta al nuovo e alle moderne acquisizioni dei nuovi saperi”.
La storia della Treccani nelle realizzazioni editoriali
A testimonianza di tutto ciò c’è la storia della Treccani, una storia di novant’anni: molti nella vita personale, un piccolo percorso nella prospettiva storica. Un percorso tracciato dall’istituto con le innumerevoli voci dell’Enciclopedia nelle quali viene riassunta la vita in tutte le sue espressioni, storiche e geografiche, scientifiche e umane con un filo sottile che unisce il presente al passato e prepara il futuro. Le migliaia e migliaia di voci, approfondite fino all’inverosimile; fanno penetrare nei recessi dell’evoluzione e del progresso, analizzano tutti i comparti dell’agire umano nel tempo e nello spazio,: sono la storia.
Ma com’è la storia della Treccani? Diamo soltanto qualche elemento sottolineando che il fondatore Giovanni Treccani degli Alfieri (1867-1961) ne fu presidente dal 1925 al 1933. All’atto della costituzione dell'”Istituto dell’Enciclopedia italiana” come società di importanza nazionale nel giugno 1933, ne divenne presidente Guglielmo Marconi, che curava il settore delle Radiocomunicazioni, con Treccani e Giovanni Gentile vice Presidenti. Tra i nomi noti che hanno collaborato alle voci di competenza citiamo Enrico Fermi per la fisica e Nicola Parravano per la chimica, Roberto Almagià per la geografia e Ugo Ojetti per l’arte; per la linguistica Bruno Migliorini.
Dalle realizzazioni del passato alle sfide del futuro
Del “nostro futuro” ha parlato Massimo Bray, che dopo la breve esperienza di Ministro per i Beni e le Attività Culturali ha scelto di dimettersi dal Parlamento per dedicarsi interamente alla Treccani, bell’esempio che deve significare qualcosa. Ha illustrato, in particolare, la funzione che può continuare ad esercitare la Treccani quando molte antichissime istituzioni enciclopediche non reggono dinanzi alla rivoluzione segnata da Internet e dal digitale.
Ne parliamo prima di descrivere la mostra per superare l’impressione che sia la commemorazione di qualcosa di storico ma superato e non un momento di riflessione sul cammino compiuto non disgiunto dalla consapevolezza del cammino da compiere in una riaffermata legittimazione al passo dei tempi. Consapevolezza riassunta in due esigenze pressanti che Bray riassume così: “Metodo critico, dunque, e memoria del passato: sono questi, i due compiti essenziali di un’enciclopedia, sia essa composta da decine di volumi cartacei di grande formato, sia essa consultabile on-line in formato digitale”.
A questi compiti fa fronte la Treccani con l’autorevolezza del suo passato e la prontezza nel raccogliere le sfide del futuro.
Il metodo critico, affinato nel corso dell’intera sua storia, serve a dominare lo tsunami di informazioni, notizie e commenti, esigenza questa che si è accresciuta con quello che Bray chiama il “mosaico impazzito” del web, richiedendo qualcosa di certo e attendibile in quanto certificato da chi ha le carte in regola per dare delle garanzie.
Di questo si ha assoluto bisogno “proprio nel momento in cui il mondo digitale fornisce l’illusione di un accesso illimitato alla conoscenza che spesso non è altro, in realtà, che accesso a una serie di notizie e informazioni non controllate, e comunque non strutturate in un sistema che aiuti a comprenderle nella loro complessità”. Le false conoscenze molto diffuse oggi nel web sono altrettanto dannose, se non di più, della mancanza di conoscenza di ieri, e la Treccani può fornire garanzie di completezza e correttezza. Questo avviene anche in formato digitale, rivolgendosi a un pubblico molto più vasto e differenziato forte dell’esperienza accumulata nella sintesi e nella divulgazione, come si vede consultando il sito.
Lo tsunami di informazioni ha un altro effetto dannoso, si rischia – è sempre Bray – che “finisca di travolgere il passato: quel passato la cui conoscenza è il primo fondamento della nostra identità di individui e di membri di una comunità”. Di qui la cura di affiancare all’Enciclopedia realizzazioni editoriali dedicate al grande patrimonio culturale, dai testi della tradizione letteraria ai documenti.
Il filo rosso della memoria nel fiume di nuove parole
Ed ora la visita alla mostra, dove veniamo attratti dalla parete di destra nella quale, lungo l’intero percorso espositivo scorre il fiume delle nuove parole sorte anno dopo anno per quasi 90 anni.
Un filo rosso di un vocabolario in continua evoluzione come lo è la vita. La mostra riesce a rendere questa magia che sembra inafferrabile in modo magistrale. Vediamo subito come.
Vi sono nove grandi comparti, ciascuno relativo a un decennio, con 7 postazioni interattive che consentono la navigazione multimediale nei contenuti della Treccani, anche con schermi “touchscreen”, secondo le aree tematiche L’Italia e la sua Arte, l’Italia e la sua Storia, La cucina italiana come cultura e Il tesoro della lingua italiana, Le scienze e Il dibattito enciclopedico, fino alla Musica con Giuseppe Verdi. E’ possibile la ricerca approfondita per scavare all’interno di questi temi nei quali si scolpisce l’identità del paese e la sua costante evoluzione. Il patrimonio di cultura e di sapienza del paese riversatosi sulla Treccani nei novant’anni di vita è disponibile anche attraverso libri e documenti, facsimili di preziosi codici miniati e fotografie, disegni e incisioni.
Ma dov’è la magia, trattandosi di una ricerca aperta e accessibile, che non può far vedere come il filo rosso del tempo unisce i vari momenti facendo dei novant’anni anni un ciclo ininterrotto? E’ nelle parole, più che nei contenuti, d’altra parte le parole sono i capisaldi delle enciclopedie, come i titoli dei film riassuntivi delle trame divenuti protagonisti, si imprimono nella memoria per la loro semplicità.
Vediamo in grande evidenza il fiume di parole che scorre come spinto dalla corrente formando raggruppamenti, ciascuno per un decennio, come quadri che ricordano il dipinto futurista di Cangiulo, “Grande folla in Piazza del Popolo” dove la gente era rappresentata dalle parole assiepate.
Le “10 parole del decennio” rappresentano le nuove parole introdotte nell’Enciclopedia in ognuno degli anni che lo compongono dando il senso del rispettivo anno e insieme del cambiamento, a partire dalla prima parola del 1925 “cruciverba” , allora avveniristica. Non sono le “parolibere” del futurismo sganciate dal quotidiano e dalla logica per proiettarsi nell’avveniristico progresso, sono al contrario organiche e ancorate alla realtà di cui esprimono l’evoluzione già manifestata. In un gioco esaltante si va alla riscoperta di queste parole, che danno la misura del tempo e del cammino compiuto perché ciascuna di esse richiama alla memoria di ognuno vicende personali e storie collettive.
E’ il filo rosso della continuità nel cambiamento della nostra vita che attraverso le parole crea la magia della memoria evocata e alimentata dalla cultura.
Seguendo questa parete “magica” abbiamo percorso tutta la mostra ma ora, come nel gioco dell’oca, dobbiamo tornare all’inizio perché c’è tanto altro da vedere in una ricostruzione peraltro all’insegna della sobrietà come del rigore.
Le tre sezioni della mostra
Mette soggezione all’ingresso la figura di Alberto Treccani con l’imponente barba bianca, ma il suo aspetto ottocentesco non deve far pensare che l’istituzione da lui creata sia qualcosa di sorpassato o almeno passatista.
Potrebbero essere considerati tali i volumi visti come qualcosa di consegnato agli archivi, monumenti culturali che è possibile ignorare perché espressione di un mondo che non c’è più.
Ha cominciato Emilio Isgrò nel 1970 prendendo di mira la Treccani per le sue “cancellature”, che non hanno risparmiato neppure la Costituzione italiana, nella mostra alla Gnam del 2013 vi erano dei box di legno con i volumi aperti su pagine con le righe cancellate. Questo pensiero è poi alla base dell’installazione “Treccani sott’olio” di Benedetto Marcucci, che dopo l’esordio al Macro nel dicembre 2010 e poi a New York, è stata a Palazzo Venezia alla mostra del “Padiglione Italia – Regione Lazio” nella creativa e per certi versi trasgressiva impostazione di Vittorio Sgarbi della mostra celebrativa del 150° dell’Unità d’Italia: su lunghe assi di legno, 54 volumi immersi nell’olio entro barattoli sigillati con ceralacca, lettura impossibile ma conservazione garantita in cantina. L’autore l’ha definita “glorificazione e riduzione a reliquia” aggiungendo che è sul “crinale tra conservazione, annullamento e feticismo”. L’opera non è esposta né citata in questa mostra, le si potrebbero contrapporre gli sviluppi multimediali del sito della Treccani: altro che volumi sott’olio, nella forma “on line” è quanto di più avanzato possa esservi in questo campo.
Ma torniamo al percorso della mostra dopo l’austera figura del suo fondatore che appoggiato da Giovanni Gentile riuscì a dare, con l’Enciclopedia, “la maggior prova intellettuale dell’Italia nuova”, come disse allora; infatti parteciparono all’impresa i maggiori studiosi italiani e molti stranieri di fama internazionale, che hanno redatto le voci di loro competenza creando un vero e proprio giacimento culturale: sono esposti anche dei documenti sulle collaborazioni più prestigiose, come il contratto firmato da Enrico Fermi per la stesura della voce “atomo”, e l’autografo della voce Umberto Boccioni a firma di Filippo Tommaso Marinetti, il padre del futurismo.
I novant’anni di vita vengono divisi in tre grandi periodi, ciascuno con una peculiare messa in scena, a parte l’articolazione per decenni ciascuno con le 10 parole magiche della sequenza sulla parete destra di cui si è già detto.
Sono queste le tre sezioni in cui si articola la mostra: i 90 anni non sono stati divisi in tre trentenni, ma in tre grandi periodi. Per ognuno di essi è stata realizzata una sobria ricostruzione ambientale di uno studio con scrivania e poltrona nello stile della singola epoca – si tratta di mobili e suppellettili originali – con fotografie evocatrici del periodo alla parete, il tutto cambia da un periodo all’altro procedendo verso al modernità. In ogni sezione la fila dei volumi speciali della Treccani del relativo periodo, non solo l’Enciclopedia, apparentemente uguali a se stessi ma dai contenuti diversi secondo l’evoluzione dei fatti e degli interessi avutasi in tale momento storico.
Dopo un prologo con la nascita dell’Enciclopedia correlata a realtà analoghe come la celebre “Encyclopédie” di Diderot e D’Alembert, la prima sezione va dal 1925 al 1945, con i dibattiti nel mondo culturale e scientifico sulla funzione dell’Enciclopedia allorché fu progettata e poi realizzata, testimoniati anche da documenti autografi quali le lettere di Giovanni Gentile e Benedetto Croce, e le carte vaticane che documentano i rilievi del Sant’Uffizio per gli errori sul cattolicesimo contenuti nella Treccani. Nell’esibizione di questi documenti, come della lettera di Starace sul carattere “non fascista” della redazione dell’Enciclopedia qualcuno potrebbe vedere un’ “excusatio non petita”. Comunque fotografie di Mussolini non mancano, e non poteva essere altrimenti, come non mancavano nella mostra, sempre al Vittoriano, sull’Istituto Luce, per ovvi motivi; anzi in quella mostra si prendeva il toro per le corna affrontando il problema del contenuto propagandistico dei film Luce dinanzi a una realtà che non poteva nascondere stimolando così lo spirito critico.
Anche per la seconda sezione, dal 1945-70 ci si affretta a precisare che “protagonisti sono l’Italia della Liberazione e il ruolo dell’istituto come luogo di un’erudizione anti-ideologica”, anche qui sembrerebbe un'”excusatio non petita”, essendo quello un requisito primario della cultura. Di certo è una fase in cui allo sbandamento del dopoguerra, dopo il crollo del fascismo, la guerra perduta, il sussulto della Resistenza fino alla Liberazione, segue la ricostruzione, il miracolo economico, fino alla contestazione del 1968. In questo periodo all’Enciclopedia si affianca il “Dizionario Biografico degli Italiani” . Veniamo a sapere che il metodo di lavoro dell’Enciclopedia prevedeva otto tempi, vediamo presentate le fasi di stesura e redazione definitiva delle voci. Sono esposti anche alcuni disegni e acquerelli originali di artisti in base ai quali sono state realizzate le tavole delle Treccani, tra cui Carlo Lorenzetti e Mimmo Paladino.
La terza sezione, dal 1970 ad oggi, comprende un periodo molto tormentato, si pensi agli “anni di piombo” con il loro carico di lutti, ma anche molto significativo per le scienze e per la comunicazione, che pone in primo piano la rivoluzione digitale, seguita dalla Treccani in tutte le fasi; come viene seguito il collegamento sempre più stretto tra arte e paesaggio. Ma nel documentare il nuovo con spirito critico non si dimentica di valorizzare il passato, secondo le due funzioni di cui abbiamo parlato: vediamo esposta la prima versione a stampa del “Dialogo di Galileo Galilei ” del 1632 , con un’installazione multimediale per confrontare le immagini scattate dai microscopi a scansione con quelle dei satelliti. L’innovazione più avanzata oggi, con quella che era la visione più avanzata ieri, per fortuna senza rischiare i fulmini dell’Inquisizione che allora perseguitò Galileo E’ puramente casuale ogni riferimento alla spettacolare galleria di 20 acquerelli sulla Divina Commedia di Mimmo Paladino posta a conclusione, ma non neghiamo la malizia nel collegarli. .
Al termine del percorso espositivo sono esposti i materiali artigianali dei tipografi e legatori, dal loro lavoro nascevano i volumi della Treccani, molto curati nell’aspetto oltre che nel contenuto. E un video fa seguire visivamente questo lavoro; che continua oggi per i volumi speciali dedicati a codici miniati, manoscritti, riedizioni di classici in vesti molto pregiate.
E’ significativo questo riconoscimento del lavoro artigianale altamente specializzato che si somma a quello intellettuale di assoluta eccellenza: è il “made in Italy” di cui si deve essere orgogliosi e a cui ci si può aggrappare per non perdere la fiducia dinanzi a tanti aspetti deteriori. “Il bene non fa notizia”, si intitolava l’ultimo articolo di fondo di Aldo Moro, ebbene in questo caso fa notizia eccome.
Info
Complesso del Vittoriano, Piazza Ara Coeli 1, Roma, Gipsoteca. Tutti i giorni, compresa domenica e lunedì, dal lunedì al giovedì ore 9,30-18,30, da venerdì a domenica 9,30-19,30, si entra fino a 45 minuti prima della chiusura. Ingresso gratuito. Segreteria mostra tel. 06.6780664-06.6780363. Organizzazione tel. 06.3225380. http://www.comunicareorganizzando.it/; info@comunicareorganizzando.it , www.treccani.it Catalogo “Treccani 1925-2015. La Cultura degli italiani. 90 anni di cultura italiana”, Istituto della Enciclopedia Italiana, 2015, pp. 284, formato 24 x 24 Per le citazioni delle opere artistiche sulla Treccani cfr. in questo sito i nostri articoli: “Isgrò, il modello Italia nelle cancellature alla Gnam” 16 settembre 2013, “PadiglioneItalia, Sgarbi e la creatività contemporanea” 8 ottobre 2013, con seguito in“Padiglione Italia, artisti contemporanei nel Lazio”, 9 ottobre 2013.
Foto
Le immagini sono state riprese alla presentazione della mostra nel Vittoriano da Romano Maria Levante, si ringrazia Comunicare Organizzando di Alessandro Nicosia con i titolari dei diritti, in particolare l’Istituto della Enciclopedia Italiana, per l’opportunità offerta. In apertura, la classica “Enciclopedia Treccani” nell’altrettanto classico mobiletto, al centro, i grandi Volumi monografici sulle città, in chiusura, il gran numero di altri Volumi editi nel periodo, con le Enciclopedie tematiche e le edizioni speciali. Tra queste tre visioni riassuntive dell’evoluzione editoriale nel 90 anni, una serie di immagini del percorso espositivo, dall’antica fotografia di Alberto Treccani, a uno studio d’epoca con alla parete foto del periodo, dal “fiume di parole” evocato visivamente , a vetrinette e postazioni con reperti, quadri e fotografie, che portano altri elementi e testimonianze sulla storia della Treccani.
In una serie di mostre al Macro di via Nizza una visione variegata di arte contemporanea: dagli artisti in residenza,Cherimus e Velentina Vetturi, dal 30 gennaio al 1° marzo, a “From Vera to Verhuschka. The Unseen photographs by Johnny Moncada”, dal 27 novembre 2014 all’11 gennaio 2015, ad “Ambienti proiettivi animati, 1964-1984”, dal 30 gennaio al 26 aprile. Cherimus presenta la “performance” ispirata al gioco dell’oca, Valentina Vetturi gli scacchi di Majorana e l’Alzeimer; poi la galleria di immagini della celebre modella fotografata da Moncaldo; per finire, la spettacolare installazione di Luca Maria Patella con le altre sue opere.
Una serie di presentazioni al Macro così fitte da essere difficile stare dietro a un’attività che prosegue intensa pur nelle difficoltà organizzative attraversate da una sede espositiva meritoria, molto frequentata dai giovani anche perché offre spazi come un campus universitario. Ci riferiamo all’ingresso all’aperto e alla grande terrazza, per non parlare del vasto atrio e della sala conferenze sospesa.
I giovani non sono soltanto i frequentatori, ma anche i protagonisti di stage e mostre d’arte. Dal 30 gennaio al 1° marzo si è svolta la Mostra finale degli Artisti in Residenza, nell’ambito del programma di Rossana Miele rivolto ai giovani artisti italiani e stranieri ai quali il Macro offre uno studio e un alloggio per creare un progetto artistico originale e realizzarlo in concreto. I due artisti presentati quest’anno sono Cherimus e Valentina Vetturi, che presenteremo rapidamente prima di passare alle grandi attrazioni del Macro.
Cherimus e Vettori, artisti in residenza
L’opera di Cherimus è un’evoluzione della performance presentata al Maxi nata dall’opera “Il gioco dell’oca” di Marco Colombaioni realizzata nel 2009 in Sardegna con un grande dipinto a cielo aperto in cui chi voleva partecipare al gioco poteva entrare.
Nell’interpretazione di Cherimus i partecipanti che entrano in scena sono animali fantastici predisposti in collaborazione con laboratori di sartoria, scuole ed altre realtà del territorio in modo di realizzare la performance in spirito di condivisione e coesione sociale.
Per questo ci sono molti collaboratori al progetto realizzato, anche artisti con i quali Cherimus ha intrattenuto stretti rapporti nel corso sella residenza; e produzioni parallele create nel corso della preparazione, come i video surreali di Simone Berti, con gli animali alla conquista della città, e registrazioni effettuate da Carlo Spiga nella lavorazione, rielaborate con sonorità africane e sudamericane..
Valentina Vettori si pone sul versante opposto della rappresentazione ludica e favolistica di Cherimus, incarnata dal gioco dell’oca, il più semplice e universale gioco infantile; è legata, al contrario, a uno degli spauracchi dell’età avanzata, come l’Alzheimer, e all’altro incubo, la scomparsa per evitare un coinvolgimento inaccettabile: si tratta dello scienziato Ettore Majorana, che forse volle scomparire per sottrarsi all’impegno nella ricerca nucleare, cosa che fa riflettere sul senso del rifiuto.
E ci sono gli scacchi, perché il fisico era un giocatore appassionato, quindi anche qui il gioco, ma molto diverso da quello infantile, è una strategia complessa la cui posta è la sopravvivenza e la libertà, entrambe si perdono quando lil pezzo viene mangiato fino allo scacco matto al Re allorché è preclusa ogni via di fuga.
La parte relativa all’ “Alzheimer Cafè II” nasce da registrazioni di motivi cantati o accennati effettuate in vari mesi presso centri che ospitano pazienti con questa patologia che colpisce la memoria, e si traduce anche in un video che mediante questo particolare ambiente fa riflettere sulla memoria e i rapporti tra presente e futuro. “La Mossa di Ettore” consiste in una partita a scacchi con una nuova mossa creata per esprimere il senso del rifiuto: nell’ottobre 2014 si è svolta questa performance nel museo con i maestri scacchisti Lexy Ortega e Massimiliano Lucaroni in collaborazione con la Federazione Italiana Scacchi.
Dopo il romanzo “La variante di Luneburg” di Paolo Maurensig, ” troviamo la performance sugli scacchi: più che un gioco, un mondo misterioso dai contenuti profondi che giustamente ispira le metafore più originali e significative.
Prima di questa mostra si è svolto il Festival internazionale della Fotografia con una serie di mostre che hanno tappezzato di pannelli fotografici molti ambienti del Macro in un caleidoscopio di immagini: il trionfo della fotografia nelle sue molteplici espressioni.
Veruschka fotografata da Johnny Moncada
Tra tutte le manifestazioni del Festival vogliamo ricordare la mostra “From Vera to Veruschka. The Unseen Photographs by Johnny Moncada”, una galleria di foto inedite, che risponde perfettamente al titolo-tema del Festival, “Portrait”, aperta dal 30 gennaio 2014 al 1° marzo 2015. Sono tutti ritratti alla top model tedesca, il cui nome era Vera, ma il nome d’arte fu Veruscka, con abiti di alta moda italiana. Le fotografie sono del 1963-64, il fotografo risiedeva a Roma, dove è stato dal 1955 al 1970, in via Margutta, la strada degli artisti tra Piazza di Spagna e Piazza del Popolo dove si trova il Caffè Rosati frequentato stabilmente da intellettuali e artisti, e vicino alla Galleria “La tartaruga”.
Anche lo studio fotografico divenne un punto di incontro frequentatao da personaggi della cultura e della moda come Gastone Novelli e Achille Perilli, oltre a Federico Fellini, da stilisti, come Emilio Pucci, Valentino, Roccobaroco, e da top model come Jean Shrimpton e Barbara Bach, Ali McGraw e Joan Whelan, sposata dal fotografo nel 1956.
Le foto di Veruschka presentate nella mostra sono state dimenticate per oltre cinquant’anni in vecchi bauli, e l’interesse insito in tali immagini ne ha suggerito la presentazione dopo un complesso lavoro di selezione e restauro a cura della figlia del fotografo, Valentina Moncada, svolto in occasione della mostra personale del fotografo alla galleria romana della Moncada nel 2012. Una prima esposizione delle immagini si è avuta a Somerset House nell’aprile 2014, poi al Museo Etrusco di Valle Giulia nella mostra “Made in Italy. Una visione modernista. Johnny Moncada, Gastone Novelli, Achille Perilli“, svoltasi nel luglio sempre del 2014, va sottolineato che la “Nabdi Peretti Foundation” ha sostenuto il lavoro di recupero di questi preziosi ritratti fotografici.
Nella celebre modella è protagonista l’alta moda italiana, con stilisti di grido come Valentino e le Sorelle Fontana , Biki e Forquet, Irene Galitzine e lancetti, Antonelli e Tricò. Un video, realizzato da Giorgio e Chiara Hotn, fa rivivere tanti momenti dell’esperienza vissuta dal fotografo con la modella per realizzare un “corpus” di immagini considerevoli, in un montaggio suggestivo.
In un volume che costituisce il catalogo della mostra, la stessa Verhushka ricorda il viaggio in Italia e il lavoro svolto con il fotografi per importanti riviste di moda, come Harper’s UK e The Tatler. Mentre Massimo di Forti racconta le interviste che fece ai due protagonisti, modella e fotografo, e Antonio Monfreda parla della selezione da lui operata tra oltre centomila scatti, Fino alla testimonianza di Valentina Moncada, figlia del fotografo e gallerista a Roma, di cui è superfluo sottolineare l’interesse anche per le circostanze in cui è venuto alla luce questo tesoro nascosto.
Che dire, a questo punto, delle immagini? Si resta senza fiato dinanzi alle molteplici raffigurazioni della celebre top model;: dalla figura misteriosa con una parte del viso coperta, alla figura aperta e solare con primi piani che ne valorizzano i lineamenti o con campi lunghi nei quali spicca la sua linea estremamente agile e flessuosa in grado di valorizzare al massimo le creazioni di Alta moda.
Luca Maria Patella, una retrospettiva
Ed ora l’arte contemporanea in una mostra che ne dà espressioni molteplici, Luca Maria Patella presenta “Ambienti proiettivi animati”, a cura di Carpi De Resmini e Stefano Chiodi, con la collaborazione della Fondazione Morra di Napoli che ne cura esposizione ed archivio generale.
Patella è uno dei più affermati artisti di arti visive degli ultimi cinquant’anni, è stato tra i primi in Europa, all’inizio degli anni ’60, ad entrare con spirito artistico nel campo della fotografia, della cinematografia e in generale dei media, ponendoli in rapporto con lo spazio naturale e con l’architettura. Questi media, le cui possibilità espressive vengono valorizzate per la prima volta, sono considerati linguaggi da analizzare e ricreare, dalle notevoli potenzialità concettuali e dai contenuti allegorici, con grandi di tele fotografiche e innovative diaproiezioni a colori.
Si esprime attraverso i mezzi più vari, si può dire in tutte le forme possibili, dalla pittura alla fotografia, dal suono alla visione, dal libro al film, dal computer alle reti telematiche, spesso combinando tra loro alcuni mezzi come nella più spettacolare installazione della mostra. Sotto questo profilo viene definito “artista totale” che da inediti punti di vista esprime i mutamenti del mondo circostante e dei suoi codici linguistici. Dietro la manifestazione visiva e sonora c’è una acuta sensibilità, tra l’estetica e la poesia, con profondi contenuti che vanno percepiti e decifrati.
Basti pensare che si è formato a Roma e Parigi in un serie di discipline, dall’astronomia alla chimica strutturale e alla psicologia analitica, e che questo percorso formativo si riflette nelle sue opere mediante il confronto tra arte e scienza. Per questo i contenuti spaziano dal campo psicanalitico a quello filosofico, e non manca l’approccio linguistico.
La sua, piuttosto che arte concettuale, viene definita “preconcettuale” e “comportamentale” e si pone in rapporto stretto con la storia. Il percorso artistico, dopo le produzioni fotografiche degli anni ’60, lo vede impegnato nei “Comportamenti“, così li chiama dal 1966, poi in installazioni multimediali interattive che chiama “Ambienti Proiettivi Animati“, e nelle “Immaginazioni globali diMontefolle”.
Degli anni ’80 e ’90 sono 17 opere di grande formato, dal contenuto mitologico-cosmico, ospitate in importanti musei europei, dal titolo “Mysterium Coniunctionis“, realizzate tra il 1982 e il 1984, poi ben 300 “Opere ed operazioni” su Diderot e Duchamp, intitolate “DEN & DUCH dis-enamed”, tra il 1982 e il 1986, e infine i vasi che ritraggono grandi personaggi, sono i “Vasi fisognomici” realizzati tra il 1982 e il 1999.
L’esposizione presenta opere dei suoi primi due decenni di attività, quindi va vista come una retrospettiva di particolare interesse perché consente di esplorarne gli esordi. Del resto, il titolo è quello della sua prima personale tenuta a Roma nel 1968 nella galleria “L’Attico” di Fabio Sargentini. I suoi peculiari procedimenti creativi emergono dal percorso realizzato nella mostra, una serie di ambienti in successione con le sue opere più significative degli anni ’60 e ’70.
La prima opera spettacolare che si incontra è costituita dagli “Alberi parlanti”, ripresentati per la prima volta dal 1971: è un’installazione aperta dove il visitatore è invitato ad entrare e ad aggirarsi nel piccolo bosco con a terra superfici variamente colorate. Si trova la natura abbinata alla scienza, la poesia al sogno,, in una polarità compresente nelle sue opere. Qui è resa attraverso uno speciale procedimento per il quale accostando l’orecchio ad alcuni degli alberi si possono ascoltare letture poetiche e non solo. Ci sono dischetti nei colori del semaforo che indicano dove soffermarsi: in rosso “Restany e Luca”, in verde “Treno e poesie di Luca”, in giallo “Diaklogo e spagnolo”. Dopo le favole e le storie per piccoli in cui il bosco è di solido sede di incubi e di cattivi incontri, essendo il regno del lupo, in questa favola per adulti diventa il regno della poesia, per di più sussurrata.
Le installazioni rendono le sue polarità complementari, come “Id e Azione”, del 1974, e “Mysterium Coniunctionis”, del 1983-84. Mentre le 7 tele fotografiche di “Terra Animata” del 1967 sono poste in relazione con il cortometraggio che girò nello stesso anno, ed è stato assimilato dalla critica alle prime forme di arte concettuale.
Altre tele fotografiche, tra il 1965 e il 1967, sono: “Autofoto oggettiva” e “Mare firmato”, “Si fa così (immagine oggettiva)” e “Contro la razionalizzazione, nevrotico adolescente”, “Dice A” e “Pioggia”, fino alle 2 fotografie in bianco e nero del 1973, “Lù capa tella”.
Un’ulteriore istallazione presentata è “Voulez-vous une Aubeliere?” , posta in relazione a sua volta con l’azione comportamentale “Camminare/ e Stare al Bar ” che ha come sfondo la serie originale di 300 dispositive.
Non mancano i film realizzati negli anni ’60: sono 9, debitamente restaurati, proiettati nella sala cinema, che dimostrano l’uso innovativo del mezzo cinematografico definito “proto-concettuale”. Vanno dal 1965 al 1968, alcuni titoli ne fanno percepire l’impianto concettuale: “Terra animata” e “Intorno-fuori”, “Tre e basta? No”, e “Vedo vado”, fino a “Fanimesto manifesto, oggettivo razionale, soggettivo irrazionale”, ancora la polarità di cui abbiamo parlato.
Che dire, un’immersione nella modernità più avanzata pur se sono opere quasi tutte degli anni ’60, e alcune della prima metà degli anni ’70, soltanto “Mysterium Coniunctionis” è dei primi anni ’80. Anche questa è una polarità dell’artista, cos’ innovativo da precorrere i tempi. Non c’è l’omaggio a Duchamp di “The Wrong and the Right Beds”, i due lettini ispirati all'”Apollinaire Dis-enameled” lo abbiamo visto nella mostra su Duchamp ed è esposto in permanenza nel grande atrio della Galleria Nazionale d’Arte Moderna. Non manca nulla nella sua caleidoscopica produzione.
Info
Macro, via Nizza 138, Roma. Da martedì a domenica, ore 10,30-19,30, lunedì chiuso, la biglietteria chiude un’ora prima. Ingresso intero euro 13,50, ridotto euro 11,50, per i residenti 1 euro in meno; aggiungendo 1 euro è compreso anche Macro Testaccio. Con il biglietto si possono visitare tutte le mostre che si svolgono contemporaneamente. Tel. 06.671070400. Cfr. in questo sito i nostri articoli: per una precedente mostra di “artisti in residenza”“6Artista, il nuovo concorso e le mostre al Macro”, 3 gennaio 2013; per la citazione, “Duchamp, 14 ready made e 93 incisioni alla Gnam” , 16 gennaio 2014.
Foto
Le immagini sono state riprese da Romano Maria Levante nel Macro di Via Nizza alla presentazione delle mostre, si ringrazia l’organizzazione, con i titolari dei diritti, per l’opportunità offerta. In apertura, Luca Maria Patella, “Alberi parlanti;”; seguono, un’altra opera di Patella e un’immagine del “Gioco dell’oca” cui si è ispirato Cherimus; poi due volti di Veruschka ripresa da Johnny Moncada; quindi altre 5 opere di varia natura di Patella..
Dall’8 marzo al 3 maggio 2015 nel salone centrale del Vittoriano, lato Fori imperiali, la mostra “Armenia, il Popolo dell’Arca” presenta un’accurata selezione di reperti archeologici e codici miniati, documenti e opere d’arte in un racconto per simboli della storia millenaria di un popolo in cui venti secoli di tradizione e cultura si intrecciano con il Cristianesimo, dal 301 religione di Stato. La mostra, realizzata da “Comunicare Organizzando” di Alessandro Nicosia, è promossa dalle Ambasciate della Repubblica Armena in Italia e nella Santa Sede e dal Ministero della cultura armeno. Curatore Vartan Karapetian che ha curato insieme a Paolo Lucca anche il Catalogo cui è unito il volumetto “A cent’annio dal genocidio armeno”, editoreSkira..
Non rientra nel programma “Roma verso Expo”, l’Armenia non partecipa all’evento milanese, ma risponde alla stessa logica di far conoscere meglio un paese e un popolo. La mostra si inserisce invece nel ricordo dell’olocausto armeno a cento anni dal crimine perpetrato fino al 1915.
Ma nessun accanimento nella rievocazione, l’occasione serve a sollecitare la memoria e il ricordo, non tanto della strage compiuta, quanto della storia del popolo armeno, radicata nella storia dell’umanità. E’ il “popolo dell’Arca”, che si arenò sul Monte Ararat mettendo in salvo gli esseri viventi, la specie umana e animale, dall’estinzione nel diluvio universale, l’inizio della storia.
Vicende storiche miste a credenze e leggende sono viste in un’ottica documentale mediante reperti, cimeli e documenti esposti nelle apposite vetrinette. In questo si differenzia dalle mostre di “Roma verso Expo”, per lo più limitate alle attrazioni locali, dalla natura alla tradizione fino all’arte.
Motivazioni e impostazione della mostra
Il presidente dell’Unione degli Armeni in Italia, Baykar Sivazliyan, dice chiaramente che il ricordo del genocidio è stato alla base della decisione della mostra, e non poteva essere altrimenti: nel 2015 ricorre il centenario dell’evento tragico, il massacro di gran parte della popolazione armena, con l’intento disumano di eliminare del tutto un popolo dalle origini così cariche di significati e valori.
Ma con la stessa chiarezza con cui rivela l’ispirazione, non manca di precisare che lo sguardo non è rivolto al passato ma va verso il futuro: “Il valore memoria è fondamentale come antidoto al ripetersi di eventi così drammatici e passa attraverso un recupero ragionato e ‘vivo’ del passato, inteso non come semplice categoria di eventi da commemorare, ma come fatto che investe il nostro presente e condiziona il nostro evolverci”. Questo recupero avviene attraverso la conoscenza della storia armena, della “millenaria civiltà e cultura anche laddove essa attraversa quella italiana”. Quindi obiettivo della mostra a Roma , e in altre città italiane, è “far conoscere cosa è stato e cos’è oggi il popolo armeno, cosa esso ha saputo dare al mondo con la sua storia”.
Nel rivendicare lo straordinario patrimonio storico e culturale del popolo armeno si torna al ricordo del genocidio: “Quello che la Turchia ottomana ha fatto è stato cercare, fortunatamente senza pieno successo, di radere al suolo una tradizione che affonda le sue radici nel ‘popolo dell’Arca’”. E viene rimproverato alla Turchia laica di Ataturk e a quella attuale è il pervicace “esercizio di rimozione”, definito dal presidente degli Armeni in Italia, “un’ostinazione che la condanna a rimanere , nonostante i proclami e le apparenze, ancora lontana dall’Europa”.
E’ un “negazionismo” di Stato che alimenta l'”armenofobia” nel Medio Oriente e porta agli eventi odierni in Siria con “chiese apostoliche armene rase al suolo, migliaia di profughi in fuga verso l’Armenia, la ritrovata difficoltà di rappresentare una minoranza evidentemente sgradita”.
Non è una posizione preconcetta contro la Turchia, infatti è alla “Turchia ottomana” che viene imputato il genocidio, come alla “Germania nazista” si imputa l’olocausto degli ebrei, ma il popolo tedesco non si è sottratto alle responsabilità del passato e il negazionismo in molti paesi è addirittura un reato: “E’ un’ostinazione che fa male alle giovani generazioni di turchi che non potranno mai in questo modo essere veramente liberi di guardare al futuro”. Ancora più chiaramente il presidente degli Armeni in Italia afferma: “Mi piace ricordarlo in questa occasione, da parte nostra non c’è nessuna turcofobia. Noi chiediamo che ci sia riconosciuto quello che la storia finora ci ha negato”.
Per questo si ricorre all’esercizio della memoria considerato “nel senso più alto, diffondendo la cultura armena per come essa ha saputo esprimersi in Italia e nel mondo con i suoi tanti figli allontanati dalla terra d’origine”. I segni eloquenti di questa cultura millenaria sono raccolti in sette sezioni: nella tre sezioni iniziali soprattutto i richiami religiosi, dalla storia del Cristianesimo e la Bibbia nella prima sezione, alla ricostruzione di un altare nella seconda, all’iconografia della Croce nella terza; le due sezioni successivesulla cultura, dalla nascita e codificazione del nuovo alfabeto nella quarta, all’arte e architettura nella quinta, mentre la settima sezione è sui rapporti secolari tra Armenia ed Italia, fin dalla repubblica di Venezia e sulla presenza armena nel nostro paese; nella sesta sezione viene ricordato il genocidio in modo discreto, ma con dati eloquenti..
Abbiamo visitato la mostra con la guida colta e appassionata del curatore Vartan Karapetian , citeremo i reperti e documenti esposti accennando al loro sottofondo culturale e storico.
Le radici bibliche e cristiane, dall’Arca alla Croce
Dall’Abate generale della Congregazione Armena Mechitarista è venuta una suggestiva citazione biblica, Noè che dall’Arca manda una colomba e un corvo ad esplorare, ritorna solo la colomba e la seconda volta con un ramoscello d’ulivo, la terra è ormai vicina. “I figli dell’Arca, ha concluso, continuano ancora oggi a seguire la colomba, come già allora sul Monte Ararat e nelle vicende successive, dall’epopea cristiana all’insorgere dei “corvi della morte e della distruzione”.
Gli Armeni sono uno dei più antichi gruppi etnici del Caucaso che da migliaia di anni abita l’altopiano con il Monte Ararat; prima del Cristianesimo erano pagani, il territorio era punteggiato da templi che furono distrutti dai cristiani, ad eccezione del tempio greco-romano di Gami; altra preesistenza millenaria un osservatorio astronomico del 4200 a. C., e pietre dell’età del bronzo.
Il Cristianesimo si diffuse in Armenia sotto il regno di Tiridate III che prima era stato un persecutore della fede. La conversione avvenne quando guarì da una grave malattia e lo attribuì a San Gregorio l’Illuminatore che 13 anni prima aveva condannato a morire in una fossa, chiamata Khor Virap, cioè fossa profonda, nell’antica città ellenistica di Artashat. La capitale Yerevan fu fondata nel 782 a. C. dal re urateo Argisthi I, è oggi una città dinamica in continuo sviluppo.
L’Armenia fu la prima nazione ad adottare il Cristianesimo come religione di Stato, questo avvenne nel 301. E’ del 303 una delle chiese più antiche del mondo cristiano, la chiesa di Echmiadzin, da cui vengono molti dei reperti esposti; il suo nome significa “discesa dell’Unigenito”, Cristo, è tra i siti Unesco patrimonio dell’umanità. Innumerevoli le chiese e i monasteri cristiani in Armenia e dovunque gli Armeni si sono trasferiti nella loro lunga diaspora.
Delle chiese più antiche vediamo esposti dei piccoli Modelli in pietra, che rientrava nella tradizione realizzare e conservare, sono la testimonianza di tutti i templi armeni andati perduti, da quelli pagani distrutti dai cristiani a quelli cristiani distrutti dagli ottomani tra i massacri del Genocidio Uno è a cupola centrale, del VII sec., il più antico esempio armeno di manufatti architettonici, l’altro a pianta rettangolare con copertura conica, XI-XIII sec.,sono alti 70 e 50 cm circa.
I reperti delle chiese cristiane esposti vanno dai Capitelli con rilievi raffiguranti la Vergine e il Bambino, la Crocifissione e San Giorgio, entrambi del V-VI sec., ai Portali con rilievi scultorei e iscrizioni. Sono esposti il Portale ligneo della chiesa dei Santi Apostoli nel Monastero di Sevan, 2 metri per 1 m, con decorazioni cruciformi e una lunga iscrizione da cui si risale all’anno 1176; e due copie in gesso color terracotta della larghezza di un metro dei Timpani con rilievi raffiguranti Dio Padre, la Vergine e il Bambino, tra il XIII e il XIV sec., della chiesa di Noravank. Inoltre un Tappeto Astghahavk in lana del XIX sec., decorato con medaglioni romboidali e scudi a otto punte nella parte centrale, e una Tenda liturgica del 1689, su lino, usata in alcuni momenti del rito, da Tokat (Eudocia), con raffigurati i luoghi santi di Gerusalemme ed episodi della vita di Gesù.
Degli oggetti liturgici presenti in mostra citiamo innanzitutto un Turibolo globulare con bassorilievi del X-XI sec. su 5 episodi della vita di Cristo, e un Leggio in legno e pelle con rilievi scultorei e iscrizione del 1273, entrambi provenienti da Ani; un Incensario in argento dorato del XVIII sec., con decorazione molto elaborata, da Akn, e due Flabelli, con serafini, in bronzo, del 1665, dal Monastero di Sevan, e in argento, del 1808, da Karin (Erzerum), sono strumenti finemente decorati con un’impugnatura, per accompagnare momenti della liturgia armena.
Le croci spiccano per la versatilità in fatto di materiali, dal bronzo all’argento fino alla pietra. E’ esposta la Croce (flabello ?) in bronzo, forse del X-XI sec., da Ani, un disco traforato con la croce al centro che sarebbe il primo flabello conosciuto. Poi la Croce in pietra con iscrizione, 1477, in tufo, e il Khachkar, del XIII-XIV sec., in felsite, dal Monastero di San Gregorio Bardzrakash, riccamente decorato . In argento dorato la Croce d’altare, forse del XIII-XIV sec., dalla Cilicia, con Cristo risorto, la Croce lignea del XII-XIII sec. con medaglione in argento dorato del XIX sec, e la Croce con reliquie di San Giorgio, del 1746, con pietre preziose; tutte vengono da Echmiadzin.
Cultura, fede e arte, dall’alfabeto armeno ai Vangeli
A questo punto entra in scena l’Alfabeto armeno con una spettacolare installazione interattiva: una grande piattaforma con tutte le lettere dell’alfabeto e la possibilità di ascoltarne la fonetica pigiando il relativo tasto. E’ un modo originale per far entrare nello spirito di questo popolo consentendo di ascoltare il suono dei segni con i quali iniziò a comunicare e a cimentarsi nella scrittura unendoli in modo da formare parole, e collegandole in concetti e in quant’altro sfocia poi nella cultura.
Dopo un Capitello con bassorilievi, senza scritte, del IV-V sec., dalla Basilica di Kasagh, in tufo, vediamo una Lapide con iscrizione in armeno su tre righe, del V sec., da Verin Talin, in tufo, e una Lapide commemorativa per l’inaugurazione di una fontana, del 1785, da Nor Nakhhijevan, in marmo, con iscrizione su otto righe: sono esempi di scrittura su pietra nella lingua armena.
Ed ecco due Vangeli, con le preziose miniature e un gran numero di fogli, sono il Vangelo del 1357, dal Monastero di San Giorgio, Vaspurakan,, e il Vangelo del XVII sec. da Echmiadzin.
L’attaccamento del popolo alle tradizioni e ai cimeli della sua storia millenaria è dimostrato dal salvataggio di un antico libro prezioso dividendone i fogli tra moltissime donne che li portarono in salvo dalle razzie ottomane nella diaspora verso la salvezza al posto di propri oggetti personali.
L’Armenia e l’Italia, nei secoli e oggi
Sono esposti anche altri Vangeli e libri religiosi che ci portano ai contatti degli Armeni con l’Italia, allorché era al centro dei traffici mercantili tra Oriente ed Occidente, in particolare con Venezia e Genova per le loro fiorenti attività marinare; contatti vi furono anche con Roma e Milano, Padova, Bologna e Firenze, Livorno e Napoli.
Vengono presentate nella mostra preziose opere che testimoniano questi contatti, custodite a Venezia, nella Biblioteca dei Padri Mechitaristi di San Lazzaro, tra cui in primo piano i preziosi volumi di quattro Vangeli miniati. Il più antico è il Vangelo di Mike, dell’862, da Vaspurakan, finissime miniature raffigurano a piena pagina gli evangelisti Matteo e Luca; seguono il Vangelo di Trebisonda,del X-XI sec., che presenta le Tavole di concordanza, e il Vangelo di Skevra. del 1193, con la “sontuosa miniatura” della Crocifissione; infine il Vangelo di Sargis Pitzak, del 1331, da Drazark, con la miniatura del Ritratto dell’evangelista Matteo. Vediamo una ricca Legatura di Vangelo, 1731, da Echmiadzin, altorilievo in argento con Gesù crocifisso e le due Marie.
Altri volumi religiosi con la stessa collocazione veneziana sono il Libro della Lamentazione, di Gregorio di Narek, del 1237, da Skreva, e l’Omelario di Mush, del 1205, da Avag. Inoltre vediamo Il Romanzo di Alessandro, con la miniatura del’arrivo a Melfi, 2^ metà del XIV sec., dalla Cilicia.
Dal Monastero dei Padri Mechitaristi di Venezia proviene il dipinto a olio del 1832 esposto, di P. Alessandro Besciktashlian con il Ritratto dell’Abate Mechitar, fondatore dell’ordine; c’è anche una Veduta dell’Isola di San Lazzaro dei PP. Armeni in Venezia, incisione del XVIII sec.
Mentre dalla Chiesa del monastero viene la spettacolare pala centrale dell’altare, 2 metri per 1,13, di Francesco Zugno, Trittico raffigurante San Gregorio che battezza il Re degli Armeni e scene del suo martirio,XVIII sec., abbiamo già ricordato la storia culminata nel prodigio della guarigione del Re che portò alla conversione del popolo e fece assurgere il Cristianesimo a religione di Stato.
Oltre questi libri religiosi sono presenti documenti conservati nell’Archivio di Stato di Venezia: la Nota di quanti Armeni, e Figli d’Armeni adulti che si ritrovano in questa Inclita Città di Venezia, tanto Secolari, quanto Religiosi in questo dì Primo Agosto 1750, che consente di valutare con precisione la loro presenza; inoltre una copia seicentesca del Privilegio commerciale accordato ai Veneziani (1271), data che prova come i rapporti commerciali fossero molto antichi.
Altri due documenti dello stesso tipo sono esposti in mostra: il Privilegio commerciale accordato ai Genovesi, del 23 dicembre 1288, presso l’Archivio di Stato di Genova; e la copia del 1472 del Privilegio commerciale ai Bardi di Firenze, datato 1335, dalla Biblioteca Riccardiana fiorentina.
La presenza degli Armeni in Italia è documentata inoltre da disegni ed acqueforti anch’essi esposti, che si aggiungono a quanto abbiamo già citato proveniente dai Padri Mechitaristi di Venezia.
Su Venezia vediamo il disegno della seconda metà del XIX sec., di Giovanni Pividor, con la chiesa Santa Croce degli Armeni; su Roma, due acqueforti provenienti dal Museo di Palazzo Braschi, la Veduta del Tempio della Fortuna Virile, poi Chiesa di Santa Maria Egiziaca, di Ducros e Volpato, 1780, e il Palazzo Sacchetti a Via Giulia, di Vasi; su Napoli la Pianta topografica del monastero di San Gregorio Armeno, nel cuore della città, 1864, conservata nell’Archivio di Stato napoletano.
L’esposizione non è terminata, resta da parlare della sesta sezione dedicata al centenario del Genocidio, culminato nell’aprile 1915. Abbiamo preferito riservarla alla conclusione.
Il genocidio armeno nel centenario
Come si è accennato all’inizio, al tragico evento ricordato nel centenario la mostra dedica uno spazio di meditazione, in una sala con il pavimento occupato interamente da una grande Pianta topografica del territorio in cui si perpetrò il massacro con indicate le direttrici delle deportazioni. Ricordano le “marce della morte” dai campi di sterminio nazisti, documentate in una mostra sempre al Vittoriano, che per la settimana dall’8 al 15 marzo ha coinciso con questa dell’Armenia.
Sopra alla pianta geografica luminosa scorrono su un video i dati del genocidio, con le terrificanti cifre delle vittime, e le immagini delle chiese prima della furia ottomana e i ruderi dopo la distruzione; i templi non sono stati ridotti in ruderi dal tempo ma dalle demolizioni dei persecutori.
Ma come fu possibile che un simile crimine contro l’umanità potesse essere perpetrato? Il primo massacro ci fu nel 1878, poi nel 1894 i predoni arruolati nei reggimenti di cavalleria massacrarono 7000-8000 Armeni e distrussero i loro villaggi, le proteste di piazza successive furono represse nel sangue. E mentre le potenze europee, Gran Bretagna e Francia oltre alla Russia, chiedevano ai turchi di dare autonomia alla minoranza cristiana, la repressione divenne sistematica con stragi degli Armeni in un gran numero di località: ad Aleppo 16.000 uccisi, ad Harput 40.000 in 10 giorni di massacri. Nel 1896 le stragi continuarono, documentate dalle relazioni consolari presso le cancellerie dei paesi occidentali, dai missionari e da altri testimoni oculari. Dalle testimonianze emerge la ferocia delle soldataglie ottomane, che violentano donne e bambini, danno fuoco alle chiese richiudendovi fedeli e prelati, saccheggiano città e villaggi: uccisi 200.000-250.000 Armeni.
Dopo i massacri del 1894-96 , anche per le proteste delle potenze occidentali, la persecuzione si attenuò, ma solo in apparenza, il peggio doveva ancora venire. La miscela tra spinta nazionalistica e mistica aberrante della purezza etnico-razziale portò a rivendicare la riunione dei turchi dell’Anatolia e del Caucaso con la conquista della provincia russa dell’Azerbaigian: un vasto territorio in mezzo al quale la zona abitata dagli Armeni era un cuneo da eliminare sopprimendo il popolo e confiscandone i beni e le terre. Un’escalation inarrestabile con persecuzioni e uccisioni, e l’infiltrazione tra gli Armeni dei turchi di altre province animati da risentimento anticristiano.
Ai Giovani Turchi viene attribuita la tremenda responsabilità della pianificazione scientifica di quello che si sarebbe presto rivelato “il primo genocidio programmato dell’era moderna”: vennero predisposti precisi piani a ogni livello al fine di far prevalere l’elemento turco immettendo i turchi-mussulmani caucasici e dell’Asia centrale. Si vollero eliminare anche i greci dell’Anatolia, che furono i primi a subire la “pulizia etnica” dell'”Organizzazione Speciale”, con le squadre di banditi liberati dal carcere scatenati per espellerli: 250.000 furono respinti fuori dai confini dello stato ottomano con molte uccisioni e vittime per il freddo, la fame e i maltrattamenti. Ma fu solo la prova generale che dimostrò la possibilità del successo della “pulizia etnica” contro gli Armeni.
Ne fu protagonista la stessa “Organizzazione Speciale”, alle dipendenze del Ministero della guerra turco, con la collaborazione dei ministeri dell’Interno e della Giustizia, e allo scoppio della Prima Guerra Mondiale il disegno criminoso dell’eliminazione del popolo armeno trovò un’ulteriore perversa motivazione nella minaccia ai confini da parte della Russia che aveva invaso la regione armena dell’Anatolia. Seguì una campagna di persecuzioni, decine di migliaia gli arrestati e torturati, migliaia i morti in una serie di province, tranne quelle occupate dai russi.
Nonostante l’eroica resistenza degli Armeni assediati e le proteste di Germania e Austria, alleate della Turchia, la “pulizia etnica” fu inesorabile: nel 1915 addirittura fu pianificato lo sterminio dei maggiori di 43 anni, fino ad allora impiegati nei lavori per sostenere lo sforzo bellico, mentre i giovani erano stati eliminati con i continui massacri, e le donne e i bambini seguirono la stessa sorte, per le ragazze giovani c’era l’alternativa perversa della destinazione agli harem e ai bordelli.
Le deportazioni di massa, come le “marce della morte” dai campi di sterminio nazisti, facilitavano il Genocidio in quanto radunavano i condannati all’eliminazione, li decimavano con la fame e gli stenti dei trasferimenti per poi giustiziare i sopravvissuti, e confiscarne i beni, per un valore che nel 1916 ammontava a un miliardo di marchi.
Tutto questo è dimostrato da prove raccolte a livello internazionale, come è documentato il numero spaventoso di vittime che ha portato alla quasi completa eliminazione di un popolo. Il primo censimento della repubblica turca nel 1927 contò meno di 125.000 Armeni, salvatisi o perché vicini alle ambasciate, o protetti dai tedeschi, o fuori dall’area di intervento dei turchi. Mentre prima dell’eliminazione sistematica culminata nel 1915 il numero di Armeni oscillava tra i 2.400.000, stimato dal governo ottomano nel 1878, e i 2.100.000 stimati dal Patriarca nel 1912; mentre l’Atlante ufficiale ottomano per il 1892 riporta 1.475.000 armeni. Cifre che, qualunque sia la più attendibile, confrontate con i 125.000 superstiti danno la misura dell’olocausto armeno.
Nella mostra non c‘è la ricostruzione storica, solo alcuni dati, lo scopo è prendere lo spunto dalla celebrazione del centenario per guardare avanti, facendo conoscere un popolo armeno che ha resistito vittoriosamente al tentativo di eliminarlo trovando forza e motivazioni per avere un ruolo da protagonista nella vita attuale con le sue radici storiche e culturali e le attrattive del territorio.
Insieme al Catalogo è stato realizzato un volumetto sul genocidio armeno, con il sottotitolo significativo “La storia di una rinascita”. Oltre a “uno sguardo storico sul genocidio degli Armeni”, all’accorato ricordo dell’ “ombra lunga del 1915” di Antonia Arslan, l’autrice del romanzo-denuncia “La fattoria delle allodole”, e alla testimonianza di “Wegner, il Lawrence degli Armeni” raccontata da Gian Antonio Stella, ci sono due interventi significativi: “I giusti ottomani nel genocidio armeno” , “Il genocidio degli Armeni e l’impegno e la solidarietà dell’Italia”.
Nel secondo viene ricordata la denuncia sulla stampa italiana dei massacri – tra cui una copertina della “Domenica del Corriere” nel maggio 1909 e un titolo in prima pagina sul “Messaggero” nell’agosto 2015 – fino alla fondazione a Torino della rivista “Armenia” nell’ottobre 1915 che ebbe il plauso di Antonio Gramsci. Inoltre vengono sottolineati i Comitati pro Armenia sorti in diverse città italiane, e la fondazione da parte di Luigi Luzzatti nel 1918 del “Comitato italiano per l’indipendenza dell’Armenia”, progetto politico votato il 26 novembre dello stesso anno, il primo ministro Orlando assicurò a Luzzatti “che io fo mia la loro causa”, anche se potette fare ben poco per l’andamento delle trattative di pace e la caduta del suo governo..
Il primo intervento riguarda l’esistenza dei ” giusti ottomani” , tra i quali uno “Schkindler turco”, l’ industriale che salvò molti Armeni impiegandoli nelle sue fabbriche : ciò rientra nell’intento di pacificazione che fa onore agli Armeni, e per questo abbiamo voluto ricordare noi qualcosa in più rispetto alla mostra della loro tragedia, e rinviamo al volumetto unito al Catalogo, oltre che a un nostro precedente scritto del 2010 per conoscerla meglio.
Chiudere gli occhi dinanzi ai fatti della storia, anche aberranti, è una cosa negativa per tutti, e ancora di più per i turchi se continuano nel negazionismo.
Ripetiamo le parole del presidente degli Armeni in Italia: “E’ un’ostinazione che fa male alle giovani generazioni di turchi che non potranno mai in questo modo essere veramente liberi di guardare al futuro”. Perciò nel ricordare il Genocidio la mostra non guarda al passato ma apre una finestra sul futuro.
Info
Complesso del Vittoriano, Via San Pietro in Carcere, lato Fori Imperiali. Tutti i giorni, compresa domenica e lunedì, ore 9,30-18,30, si entra fino a 45 minuti prima della chiusura. Ingresso gratuito. Catalogo Skira. Segreteria mostra tel. 06.6780664-06.6780363. Organizzazione tel. 06.3225380. http://www.comunicareorganizzando.it/; info@comunicareorganizzando.it , tel. 06.3225380. Catalogo “Armenia. Il Popolo dell’Arca”, Skira 2015, pp. 174, formato 16,5 x 24; “A cent’anni dal genocidio armeno. La storia di una rinascita”, Skira 2015, pp 62. Per il nostro precedente approfondimento del genocidio armeno, cui rinviamo a conclusione del resoconto della mostra, cfr. in “cultura.inbruzzo.it” , i nostri 2 articoli del 2010, corredati da immagini eloquenti: “Il Genocidio armeno ricordato a Forca di Valle (Te)” 30 novembre, e “Le prove del Genocidio armeno, e il modernismo a Forca di Valle (Te)” 29 dicembre.
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Le immagini sono state riprese alla presentazione della mostra nel Vittoriano da Romano Maria Levante, si ringrazia Comunicare Organizzando di Alessandro Nicosia con l’Ambasciata armena in Italia e i titolari dei diritti per l’opportunità offerta. In apertura, “Capitello con altorilievo della Vergine e del Bambino”, V-VI sec.; seguono “Capitello con scena della Crocifissione e san Giorgio”, V-VI sec., e “Croce in pietra con iscrizione”, 1477, (a sin.), “Khachktar“, XIII-XIV, (a dx.) sec.,; poi, “Portale di chiesa con rilievi scultorei e iscrizione “, 1176, e Tappeto Astghahavk”, XIX sec.; quindi, “Croce con reliquie di san Giorgio” , 1746, e “Vangelo di Mike”. Gli evangelisti Matteo e Luca, 862; inoltre, “Vangelo di Trebisonda” . Tavole di concordanza,X-XI sec., e “Il Romanzo di Alessandro”. Arrivo di Alessandro a Menfì, 2^ metà XIV sec.; ancora, “Timpano di portale”. Altorilievo raffigurante Dio Padre, inizio XIV sec., e “Lapide con iscrizione in armeno”, V sec.; infine, “S. Flabello con innagine di serafino”, 1808, e, in chiusura, “Tenda liturgica”, 1689.
Al Museo Crocetti, dal 1° al 14 aprile 2015, la mostra “La pittura nel grido della natura. Il viaggio artistico di Vanda Valente” espone 80 dipinti nei quali l’impegno ambientalista e animalista si esprime con intensità di accenti specchio di una sensibilità che trova eloquenti manifestazioni anche in opere dedicate ai drammi dell’umanità e ai valori più intimi e personali. A cura di Lorenzo Canova , Catalogo della Fondazione Venanzo Crocetti, lo scultore abruzzese che ha saputo esprimere del mondo animale la sofferenza e anche la nobiltà in opere-simbolo.
Inconsueta una mostra pittorica le cui sezioni partono dagli attacchi che la natura subisce per l’azione devastante dell’uomo – deforestazione e bracconaggio, rischio eliminazione specie viventi e crudeltà sconfessate – e si concludono in positivo con la speranza nella ricerca della Cultura, dell’Arte e del Bello e nella difesa della quotidianità intesa come valorizzazione dell’essere, fino alla materializzazione di tutto questo nella sezione finale, ritmi e corpi e la ricerca dell’essere.
Sembrerebbe il contenuto di un manifesto ambientalista nella sua forma culturalmente più elevata, invece è l’indice dei temi che trovano la loro rappresentazione nei dipinti in acrilico su tela.
La personalità dell’artista, il suo impegno civile
L’artefice di questo sorprendente percorso non può essere soltanto contemplativa e dedita all’arte, troppo forte è la matrice ideale e l’impegno politico nel senso più nobile del termine, quale difesa della polis, riferita alla tutela della natura che è parte integrante del villaggio globale.
Vanda Valente è organizzatrice di incontri culturali, oltre che mostre d’arte, in particolare a Palazzo Tanzarella che il Comune di Ostuni ha affidato alla sua direzione; è impegnata nell’affermazione dei diritti delle biodiversità e di chi non ha voce, gli indifesi, gli animali, l’ambiente in una visione planetaria. Ha fatto parte del movimento femminista e ha disegnato nel 1984 il manifesto per la ricorrenza degli ex Confinati politici a Ventotene, il cui sindaco e l’AMPI di Roma, le fecero realizzare, con lo scultore Carmine Cecola, suo professore, una medaglia in ricordo di Terracini.
Questo come impegno civile; sul piano artistico è stata allieva di Emilio Notte e dopo la sua scomparsa nel 1982 ha dato vita a un’Associazione culturale che ha istituito premi in nome del maestro, il Premio Over 40 E. Notte e il premio Concorso E. Notte aperto ai giovani talenti delle Accademie di Belle Arti. La sua attività artistica è intensa, partecipa all’Expo di Milano con una ceramica; nel 2014 la troviamo in una collettiva ad Ostuni, alla 3^ Biennale del Salento a Lecce e alla Mostra internazionale della ceramica a Grottaglie; nel 2012 all’Expo Bari oltre a una personale di pittura a Brindisi, e alla 2^ Biennale del Salento a Lecce, quindi al Padiglione Italia della Puglia a Lecce nel quadro della Biennale di Venezia curata da Vittorio Sgarbi; quindi alla Triennale d’Arte sacra all’Arcivescovado di Lecce: negli anni precedenti una serie di mostre personali.
La sua è una pittura di denuncia, con alla base ricerche di tipo scientifico e indagini a livello sociale, che si pone come mezzo di comunicazione per rendere palesi, tramite la pittura, “le molte sopraffazioni che si perpetrano impunemente nella nostra odierna società” – scrive lei stessa – e sconfiggere l’indifferenza, che definisce “il male peggiore”. Per questo non esita a fare delle rinunce sul piano stilistico: “Ho sacrificato alcune mie ultime tecniche pittoriche in funzione di un’immagine più riconoscibile e più comunicativa, per rappresentare con più chiarezza alcune delle tematiche da me affrontate”, che sono quelle evocate nelle sezioni della mostra.
Non è soltanto una sensibilità animalista che, nel respingere le sofferenze arrecate spesso per scopi futili e aberranti insieme al cieco profitto, proclama con forza il “diritto di ogni essere vivente: vivere nella dignità e nel rispetto delle proprie peculiarità”. Sembra riecheggiare l’accorata constatazione di Pasolini sulla scomparsa delle lucciole la sua sconsolata osservazione: “Già ora nel nostro quotidiano, passeggiando per la campagna, avverti la desolazione del silenzio assordante, non più cinguettii, sempre meno si vedono volare le farfalle” . Termina con un allarme: “Perderemo la bellezza di questo pianeta, che sarà sempre più grigio e senza colore?”; e una speranza: “Credo ancora nel riscatto dell’essere umano in funzione di ricerca della cultura e dell’arte, intesa come progresso di conquiste civili”.
L’espressione artistica di Vanda Valente
Come si traduce tutto questo in espressione artistica rappresenta l’interesse della mostra: il confronto tra le tematiche dichiarate nei titoli delle sezioni e le opere in esse esposte è intrigante.
M prima occorre inquadrarne la cifra stilistica partendo dalla formazione iniziale con il maestro Emilio Notte su cui si sono innestati i tanti influssi che con la sua cultura artistica e apertura mentale è riuscita a cogliere ed assimilare in un linguaggio autonomo personale.
Lorenzo Canova afferma al riguardo: “Così, in una messe rigogliosa e fiorente di informazioni e sollecitazioni, si sovrappongono in modo del tutto creativo e lontano da ogni possibile subalternità, Cézanne e Boccioni, le scansioni geometrizzanti del cubismo e la dirompente deformazione espressionista, le scansioni aniconiche, dinamiche e geometrizzanti del futurismo, il mistero del realismo magico, l’arcaismo postcubista e una lontana ed evocativa anima simbolista, con la sua grazia enigmatica e il suo mondo dove la natura viene riletta da uno sguardo esoterico e profondo”.
Quale il risultato di simili contaminazioni a largo raggio su una forte base creativa? L’artista in un suo scritto sottolinea “la ricerca della geometria, del gioco dei volumi, e del segno particolarmente scarno”; il critico aggiunge alle “finezze disegnative e coloristiche” i contrasti e le deformazioni, le velature e le cromie di una pittura tracciata “con potenza primitiva” e nel contempo con “la saldezza di un mestiere rigorosamente e duramente acquisito”. Sono “elementi solo apparentemente divergenti, che si completano invece in un discorso aperto su più piani intrecciati”.
Ciò perché l’artista riesce “a modulare la pittura a seconda delle esigenze e del messaggio che informa l’opera”: così abbiamo i dipinti più intimi intrisi di lirismo sottile dove “la poesia del colore si trasforma in armonia cromatica” ; e quelli più duri dove la violenza subita dai soggetti più deboli, esseri umani o ambiente, viene resa con “uno stile aggressivo, dolente e impetuoso, in cui la geometria può essere usata come un’ascia tagliente, uno strumento di lotta e di denuncia”..
Nella sua forma espressiva il disegno ha un ruolo fondamentale, Canova lo definisce “un filo di Arianna fatto di grafite” e sottolinea che il “virtuosismo disegnativo” su cui si basa la sua arte , tipicamente italiano, da Michelangelo in poi, sta diventando sempre più raro. Nella nostra artista vi è stata un’evoluzione: dalla “qualità realistica, descrittiva, e di analisi del soggetto” di qualche anno fa, a “un furor grafico fatto di una rete rapida e dinamica di tratti, memoria di un futurismo mediato dal Rinascimento”.
Da questo “tessuto intrecciato dalla matita” le immagini dei suoi animali nascono tanto veloci e insieme forti e potenti, da far esclamare a Canova, al termine della sua analisi critica: “In questa foresta di grafite che si anima di segni, la natura grida così il suo dolore e la sua forza vitale, la veemenza della matita annuncia la forza della pittura e il suo ordito complesso, la mano traccia il suo viaggio sul foglio concludendo il percorso passato e annunciando il viaggio futuro dell’opera multiforme e unitaria di Vanda Valente”.
Tra passato e futuro percorriamo le diverse sezioni della mostra, presi dagli ambienti esotici che l’attrice rappresenta nei quali occhieggiano immagini dolenti e quanto mai struggenti in contrasto con l’esuberanza spesso lussureggiante della natura.
Ecco gli 8 acrilici della sezione “Deforestazione”, in tinte pastello con prevalenza degli scuri, comunque non brillanti, alcuni di grandi dimensioni articolati in più tele. Ci sono immagini idilliache, ben percepibili anche se schematizzate in una modernità stilistica lontana dal figurativo, in tre tele dal titolo “I cavalli selvatici correvano liberi nelle immense praterie, poi…”, 2013.
Il “poi” è nella “Deforestazione” , si vede la zebra che crolla al suolo laddove i cavalli correvano liberi, e nella “Cementificazione”, opere del 2014, che sconvolgono “Interi habitat”, I e II, 2013 e 2014. “Madre natura creò gli alberi, i mammiferi, i volatili, ma l’uomo incurante…”, è una composizione delicata, quasi sospesa, come se incombesse l’angoscia resa da “Petrolio”, agghiaccianti i volti atterriti sotto la terribile pioggia di olio distruttivo, entrambi del 2012.
Nella sezione “Bracconaggio” , stesse tonalità della precedente, è altrettanto agghiacciante “La mattanza delle foche”, 2014, un primo piano con gli occhi che implorano aiuto, mentre occhi che interrogano spuntano in “Dedicata a Dian Fossey”, 2010; con “La tartaruga gigante”, 2014 si entra nel campo dell’astrazione: come con “La gabbia”, 2009.
Le figure umane irrompono in “La donna e l’ermellino” e “Traffico di organi”, 2010, “La fine dei prati, del bisonte… e del popolo indiano”, 2009, e “L’avorio”, 2013, mentre un dipinto pone l’interrogativo “Quali sono i veri elefanti?”, 2009.
Nella sezione “Rischio eliminazione esseri viventi” sono esposte una ventina di opere, alcune delle quali in un cromatismo molto più vivo. Spiccano “Volo dell’ibis scarlatto”, 2007, “Fenicotteri” dalla dominante rossa, soprattutto il primo; e “L’ara di Giacinto”, 2009, immerso nel verde brillante, che è invece appena accennato in “Balenottera azzurra” e “Capodoglio”, 2010.
Sinfonia di colori in “Il volo delle farfalle”, 2008, “Anche gli ultimi hanno le ali”, 2009, e “La farfalla azzurra”, 2010, mentre hanno tonalità chiarissime e delicate “Cavallucci marini”, 2009, “La disintegrazione dei ghiacciai”, 2010, e “La terra, la danza, il volo”, 2012.
Gli altri sono una vera galleria di specie a rischio: “L’orso della Malesia” e “Bisonti”, “I pellicani e “L’urlo dello scimpanzé”, 2009, “Delfini” 2008, con due dipinti sul “Plancton”, “La manta gigante” e “Caccia alle balene”, 2010, fino a “Il panda”, 2010, con visi umani atterriti insieme ai volti dei teneri animali divenuti il simbolo delle specie da salvare dall’estinzione.
Le “Crudeltà sconfessate” mostrano addensamenti di forte presa pittorica in dipinti, tutti del 2012, che evocano “La vivisezione” e “La corrida”, “Lo sgozzamento degli agnellini” e “La caccia al lupo”.
Così siamo giunti alla penultima sezione, “La speranza dell’uomo è nella ricerca della Cultura, dell’Arte e del bello e nella difesa della quotidianità intesa come valorizzazione dell’essere”. Sono concetti che è arduo esprimere in pittura, l’artista lo fa ricorrendo a un cromatismo molto più accentuato, con forti contrasti e utilizzando immagini vegetali, canne e steli nelle più varie configurazioni e negli intrecci, ma sempre rivolte verso l’alto per esprimere lo slancio della ricerca.
Sono tutti del 2006, eccone i titoli, così eloquenti da illustrare di per sé i dipinti: “Scheletri di alberi” e “Giochi nel vento”, “Rose, la ricerca del bello” e “La danza dei cigni”, “Prato con fiori blu” e “Metamorfosi”, “Fiore cactus” e “Il giallo dominò”, “Campo verde” e “Campo blu”.
Dalla ricerca della Cultura alla ricerca dell’essere: siamo all’ultima sezione della mostra, quella che forse più delle altre, che pure presentano la natura minacciata, porta l’osservatore ad interrogarsi con una punta di inquietudine ancora maggiore. Si intitola “Ritmi e corpi alla ricerca dell’essere” e, a differenza della gran parte di dipinti delle sezioni precedenti a parte quelli sul bracconaggio, protagonisti questa volta sono esseri viventi della specie umana e animale e non più vegetale.
Gli esseri umani sono ripresi in termini drammatici: si va dalle mani protese in alto in “Dedicato a Borsellino”, 2008, ai due dipinti “Ritmo e corpi”, 2009, un viluppo di membra, a “L’uomo e loro”, 2010 e “Ancora oggi”, 2014, in cui appaiono solo i volti, dagli occhi chiusi o attoniti; senza speranza in “L’inizio della fine”.
Irrompe la figura intera in composizioni che, nel segno scuro di un suggestivo arcaismo, disegnano figure dolenti: “Le tre guerre” presenta una serie di immagini, una con un bambino stretto al petto nella disperazione, in una sorta di nuova “Pietà”ancora più struggente, quasi fosse il Bambin Gesù, e poi volti e figure di bimbi soli con gli occhi sbarrati per il terrore. Con “L’esodo”sono le madri protagoniste con i loro piccoli, mentre “La difesa della diversità” presenta un’interessante immagine evoluzionista, il bambino sulla schiena del presunto progenitore, piccolo come lui, in una identificazione ideale.
Poi il campo è preso dal mondo animale con “Il diritto alla diversità nella propria peculiarità”, vediamo elefanti e scimmie, queste ultime riprese in espressioni umane nei volti protesi, e con i due dipinti “La diversità come ricerca dei valori affettivi”: si riconosce l’essenza della vita che accomuna questi esseri viventi alle persone umane. L’artista ha voluto creare anche una galleria artistica molto particolare al riguardo: i piatti ceramici con le teste di varie specie animali.
Nel descrivere le opere del periodo più recente, fortemente impegnate sul piano della denuncia in difesa dell’ambiente gravemente minacciato, non possiamo non citare i suggestivi dipinti del passato con forte senso pittorico nel cromatismo acceso e nelle forme deformate da influssi cubisti e simili. Sono del 1980, “La parità”, vista come ardente abbraccio, e “Maternità” , un viluppo umano, fino a “Crocifissione. Maternità”; temi ripresi nel 2008 con “L’abbraccio” e “Nascita”, fino al “Punto di riferimento”, un forte abbraccio anche qui.
Nelle ultime tre opere citate, dopo 28 anni, insieme alla pittura di denuncia e impegno civile, torna quella intima e personale legata a motivazioni forti, come l’amore e la maternità. Non si può rivolgere all’artista l’accusa che si fa agli ambientalisti e animalisti, di dimenticare l’essere umano.
Vanda Valente non solo non lo dimentica ma dimostra di viverne nella sua pittura i sentimenti più nobili. Proprio per questo riesce a infondere alle sue composizioni un’autentica sincerità.
Info
Museo Crocetti, via Cassia 192, Roma. Da lunedì a venerdì ore 11,00-13,00, 15,00-19,00; sabato 11,00-19,.00, domenica chiuso. Ingresso gratuito. Catalogo “La pittura nel grido della natura. Il viaggio artistico di Vanda vVlente”, a cura di Lorenzo Canova, Fondazione Venanzo Crocetti, aprile 2015, pp, 96, formato 21 x 21, dal catalogo sono tartte le citazioni del testo.
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Le immagini sono state riprese da Romano Maria Levante all’inaugurazione della mostra nel Museo Crocetti, si ringrazia per l’opportunità offerta la Fondazione Crocetti con i titolari dei diritti, in particolare l’artista Vanda Valente, anche per avere cortesemente accettato di essere ripresa davanti a una sua opera. In apertura, l’artista davanti a “I cavalli selvatici correvano liberi nelle immense praterie, poi…“, 2013, sulla “Deforestazione”; seguono, sempre sulla Deforestazione, “Madre natura creò gli alberi, i mammiferi, ma l’uomo incurante...”, 2912, e due opere sul “Bracconaggio”, “Dedicata a Dian Fossey”, 2010, e “La mattanza delle foche”, 2014; poi, sul “Rischio eliminazione specie viventi”, dall’alto “Volo dell’ibis scarlatto”, “Fenicotteri”, “I pellicani”, 2009, e “La farfalla azzurra”, 2010; quindi, sulla “Speranza nella ricerca della Cultura, dell’Arte e del bello e sulla difesa della quotidianità”, “Fiore cactus”, 2008, e “La danza dei cigni”, 2014; infine, su “Ritmi e corpi alla ricerca dell’essere”, “Il diritto alla diversità nella propria peculiarità”, “La difesa della diversitò” e “La ricerca della diversità intesa come difesa dei valori affettivi II”; in chiusura, a sin. “Ritmi e corpi I”, 2009, a dx “Campo”, 2008.
La RvB Arts in via delle Zoccolette 28 presso ponte Garibaldi, con l’Antiquariato Valligiano nella vicina via Giulia, espone dal 26 marzo al 18 aprile 2015 le opere di Cornelia Badelita basate sull’uso di timbri a inchiostro con parole che creano forme e chiaroscuri; e di Lorenzo Blanco con forti segni materici su sfondi scuri a specchio che creano immagini suggestive ed intriganti. Come le precedenti di RvB Arts, la mostra, realizzata e curata da Michele von Buren, si inquadra nel programma “Accessible Art” , da lei portato avanti con passione e costanza, nell’intento meritorio di far entrare l’arte nella quotidianità delle famiglie con prezzi accessibili e scelte oculate, e nel contempo di promuovere giovani artisti.
Iniziamo questo servizio chiedendoci “dove eravamo rimasti”, perché da qualche tempo non diamo conto delle mostre che la RVB Arts ha continuato a presentare con impegno costante.
Le mostre precedenti
Ricordiamo la successione di quelle di cui abbiamo parlato diffusamente, sono 10 dal 2012 ad oggi.
Nel 2012 dai 2 artisti presentati a maggio ai 6 artisti di novembre, alla” Christmas Collection” di fine anno con 13 artisti; nel 2013 in cinque mostre abbiamo visto a febbraio la “City Life” con 3 artisti, tra marzo e aprile”Looking Back” di Christina Thwaites, e Re-Cycle” di Alessio Deli, a giugno il “Full Circle” di Nicola Pucci, e a luglio la “Summer Collection” con 6 artisti, a novembre “Qualcosa di importante” di Lucianella Cafagna, a dicembre “A Christmas Tale”, con 15 artisti; e siamo arrivati al 2014, a marzo “Self-Shaping Paintings” di Lorenzo Bruschini, e a giugno, prima parte del mese, “Capricci” di Luca Zarattini.
Fin qui i nostri resoconti. Le altre mostre, soprattutto successive, le abbiamo viste con interesse, perché andare alle esposizioni della RVB Arts è come ritrovarsi con gli amici, che non sono persone fisiche, sebbene lo spirito di accoglienza di Michele von Buren sia pari alla sua grazia e al suo dinamismo; sono le espressioni artistiche dei precedenti espositori divenute familiari.
Non ne abbiamo fatto i resoconti per lo più trattandosi di artisti che avevamo descritto raccontando le mostre precedenti, quindi già noti ai lettori anche se venivano presentati in modo più completo. Sono le mostre da metà del 2014, a maggio “Delta of Venus” con 3 artisti tra cui Lucianella Cafagna, nella seconda parte di giugno “Past Times” di Christina Thwaites, a luglio “Incontro” di Andrea Silicati; mentre a ottobre con “Encounters” abbiamo visto Francesco Spirito e Alessio Deli, il secondo con temi diversi dai suoi consueti, anche se i materiali usati sono sempre quelli di risulta, nello spirito del riciclo: alle grandi figure scultoree delle “Summer” , ai gabbiani e ai piccoli soggetti come il nido si sono aggiunte grandi composizioni floreali con piante e fiori di lamiera riciclata, un ardito utilizzo di materiale “hard” per esprimere un tema “soft”, diremmo..
Ci sono state poi la mostra natalizia “Beauty and the Beast (La Bella e la Bestia)”, con 13 artisti, e, nel febbraio 2015, “Head Box” di Roberto Fantini, con le sue figurette di bambini nelle più diverse espressioni, un bagno di innocenza e di delicatezza che riempiva l’animo di indicibile tenerezza; abbinata a una estrazione a sorte tra i visitatori per aggiudicarsi il box artistico offerto dall’autore.
Opere divenute familiari anche perché una caratteristica della galleria RvB Arts è la permanenza, nella parte retrostante lo spazio espositivo, di opere degli artisti non in mostra, ma visibili, che fanno parte della “scuderia” di Michele von Buren, accresciutasi nel tempo: ora è composta di circa 40 artisti, 21 pittori, 5 scultori, 13 fotografi, con un ricco stock di opere.
Il saluto agli “amici” non è mancato neppure questa volta, abbiamo ritrovato le composizioni vegetali metalliche di Deli che hanno preso il posto delle imponenti sculture con materiali di risulta, le piccole figurette infantili di Fantini, l'”album di famiglia” della Thwites, i cani di Maiti, ecc..
Fanno parte del “corpus” artistico della galleria, un insieme organico di opere d’arte selezionate con accortezza nell’ambito di un progetto innovativo di indubbia rilevanza culturale.
L’Accessible Art
E’ appena il caso di ricordare che si tratta dell’ “Accessibile Art”, l’iniziativa coraggiosa di Michele von Buren volta a far entrare l’arte nelle normali abitazioni come componenti di un arredo di qualità alla portata di tutti. Un’accessibilità economica per i prezzi contenuti indicati nelle etichette delle opere esposte, in concreto assicurata dalla scelta oculata di opere che possono convivere con i comuni arredi, escludendo tante forme d’arte contemporanea che sono inadatte.
La prova tangibile è data dalla presentazione delle opere in due spazi espositivi, la RvB Art di via delle Zoccolette e l’Artigianato Valligiano nella vicina Via Giulia, nei quali sono inseriti tra gli arredi di un antiquariato ugualmente accessibile, anch’esso in esposizione. Si può vedere così, praticamente, l’effetto dell’opera presentata congiunto ai mobili tra i quali è inserita, e se del caso anche l’acquisto può essere congiunto, ma si tratta solo di un’opportunità in più.
Non è di poco conto questa impostazione che differenzia positivamente le mostre di RvB Arts : è uno dei motivi che fanno sentire il calore della casa e della famiglia nel visitarle, l’altro è la presenza permanente di opere già conosciute che restano in secondo piano ma danno il senso della familiarità e della confidenza. Come non è di poco conto voler diffondere l’arte al di fuori dei confini consueti, creando le condizioni perché possa entrare nelle case di tutti, e non con multipli o altri surrogati, bensì con opere originali di artisti contemporanei ai quali va il riconoscimento per la loro dedizione e la loro disponibilità a dare forma concreta all’impostazione di Michele von Buren che resterebbe un sogno visionario se non vi fosse anche la loro passione per l’arte ad unirsi alla sua in un’intesa che si rivela sempre più promettente.
Inquadrata doverosamente la nuova mostra nell'”Accessible Art” di cui non ci stanchiamo mai di sottolineare il carattere meritorio, dobbiamo sottolineare che le opere presentate costituiscono una novità nel panorama stilisticamente già molto variegato degli artisti della scuderia di Michele.
Dei due artisti che espongono, Cornelia Badelita utilizza dei timbri al posto dei pennelli, della tavolozza e degli altri strumenti pittorici, creando ombre e chiaroscuri con le loro impronte più o meno addensate; Leonardo Blanco impiega alluminio e resine ottenendo un effetto luminoso a specchio pur da fondi molto scuri.
Un cenno alla loro storia personale, e poi uno sguardo alle opere esposte.
Le forme con le parole timbrate di Cornelia Badelita
Cornelia Badelita, nata in Romania nel 1982 e laureata in Grafica d’Arte all’Accademia Albertina delle Belle Arti di Torino, dove per due anni è stata “tutor”. Presente in un gran numero di mostre collettive, dal 2005 al 2014 ne abbiamo contate 40, tra cui l’esposizione nel Padiglione Accademie della Biennale di Venezia del 2011; 7 mostre personali in Italia e all’estero, 2 premi a Torino, le sue opere sono in alcune collezioni permanenti e private.
Parte dall’incisione e dal disegno, ce lo dice lei stessa, guardando l’opera da lontano si ha l’effetto incisione, mentre avvicinandosi si può vedere il meticoloso lavoro di “timbratura” nel creare le forme e dare ad esse ombreggiature e chiaroscuri con maestria tecnica unita a genialità artistica.
I timbri recano in genere parole scelte come sigillo del soggetto raffigurato, ed è intrigante pensare che vengono impresse in modo infinitamente ripetitivo incarnandosi come più non si potrebbe nel soggetto rappresentato formato da tali parole. Il pensiero va – e lo abbiamo detto all’artista – alle Parolibere del futurismo, ma soltanto come associazione di idee a un uso delle parole nella pittura peraltro molto diverso, in quanto venivano immesse per un irridente “non sense”. Le parole costitutive della forma le troviamo nel dipinto di Cangiullo, “Grande folla in Piazza del Popolo”, esposto di recente alla mostra “Secessione” alla Gnam, al posto della persone che diventano verbo. In Badelita, invece, alla parola reiterata si aggiunge il timbro, usato come spatola e pennello.
L’artista ci spiega come sceglie la parola o la frase che diventa timbro e poi forma, ombra e chiaroscuro: deve essere una sintesi estrema di quanto vuol esprimere nell’opera. Guardiamo insieme il grande quadro con la Deposizione e in primo piano un grosso cane, con una contaminazione tra due artisti, Pontormo e Rubens, la parola usata nei timbri che formano l’immagine è “High Fidelity”, alta fedeltà nel cane, il fedele amico dell’uomo, come nella fede, fedeltà al Cristo della nostra religione nel Premi aTorinotmomento finale e più toccante della sua avventura terrena, tutto ciò accomunato; stessa considerazione per “Wanna Be Your Dog”.
Con questi due temi sembra di essere dinanzi a singolari “d’aprés” da Pontormo e Rubens , e la mente torna ai “d’aprés” di Giorgio de Chirico presentati nella mostra romana del 2009 “De Chirico e il Museo”.
Non finisce qui, la mostra della Badelita prosegue nell’altra sede espositiva, l’Antiquariato Valligiano di Via Giulia, dove a differenza dello spazio di RvB Arts sono prevalenti i mobili e gli arredi, ma i suoi 4 quadri realizzati a colpi di timbri spiccano ugualmente. Li guardiamo da vicino, “Keep Meat” è il titolo per una figura animale, realizzata con timbri che recano proprio queste parole; mentre i due quadri intitolati “Autore sconosciuto” sono ottenuti usando timbri senza parole. Ecco perché l’autore è sconosciuto.
Un’ironia da parolibere futuriste? Non sappiamo. A questo punto ci soccorre un’altra associazione di idee, questa volta interna a RvB Arts, dove vedemmo nella mostra del maggio 2013 un’altra forma di uso delle parole per realizzare un’opera d’arte: si tratta delle composizioni di Tindàr, nodose radici di alberi disegnate sopra fitte riproduzioni a stampa di parole di libri epocali, dalla “Divina Commedia” di Dante al “Canzoniere” di Petrarca fino all'”Iliade” omerica.
Michele von Buren non ha bisogno di consigli, però ci permettiamo di suggerire una mostra con abbinati i due artisti, la Badelita con un campionario più ampio, e Tindàrcon i suoi alberi verbali.
Ci piace concludere con le parole usate da Viviana Quattrini, nella sua costante cura critica delle mostre di RvB Arts: “Attraverso la ritualità del gesto ripetitivo e freddo dello stampare, l’artista arriva a creare immagini di grande forza espressiva ed evocativa… Tutto appare scosso da un dinamismo che pervade forma e contenuto in composizioni ricche, complesse e teatrali”.
Le “mappe dell’anima” di Lorenzo Blanco
E’ Lorenzo Blanco l’altro espositore, di San Marino, che ha iniziato la sua vicenda artistica partendo dalle tradizioni locali per poi spingersi verso l’approfondimento della condizione contemporanea in un’arte che si muove nell’alternativa tra l’addensamento e la rarefazione.
Ha partecipato a molte mostre collettive dal 1998, le principali sono 25, e ha esposto in 10 mostre personali, vincitore di 6 concorsi artistici, le sue opere sono in alcune collezioni permanenti.
Appare particolarmente complesso decifrare le sue espressioni artistiche, realizzate con dei segni calligrafici o spessi, neri o cromatici, che irrompono in un fondo scuro reso vivido dalla superficie a specchio: l’effetto di addensamento e rarefazione nasce da questi elementi contrastanti.
Così Viviana Quattrini : “E’ attraverso un continuo processo di addizione e sottrazione che nascono, come l’artista stesso le definisce, ‘mappe geografiche dell’anima’. Si tratta di mondi al limite tra reale e immaginario, universi dove l’armonia della composizione è pervasa da una poesia che si intensifica nell’iperbole del gesto. Lo scorrere costante del segno calligrafico è traccia del vissuto, narrazione muta”.
Cerchiamo di penetrare in questi mondi partendo da ciò che l’artista ha scritto in occasione della mostra “Without” del settembre 2014, del cui titolo è stata sottolineata la compresenza degli opposti, una sorta di ossimoro nella parola inglese, “con” unito a”fuori” per formare “senza”. Per l’artista ciò vuol dire “cercare le parole per dire cose che non riguardano le parole”. E come?
Qui nasce l’addensamento quando le parole degli scrittori si affollano alla sua mente, quindi la rarefazione allorché “si confondono dentro di me, si impastano, si nascondono dietro una quinta, dietro un’ombra, non so. Poi riaffiorano stratificate nelle attese”. Ma non è finita, “le parole si ri-mettono in fila, poi la pioggia le cancella, perdi di nuovo il senso, il filo del discorso, ti accorgi che ‘‘non hai niente da dire'”; e l’alternanza continua perché “improvvisamente ritornano sotto altre forme, dentro a un segno, un’immagine”.
Così si crea l’opera d’arte che esprime questo inquieto processo interiore: “E allora giù a testa bassa ad accostare campiture piene, geometriche e buie, a zone più leggere, acquose e trasparenti: ecco, cerco asimmetrie, lavoro sul confine, sul passaggio, sul rimo, una danza. Luoghi luminosi, spazi neri, pertugi e poi materia affiorante, superficie e sfondo”.
E’ una descrizione quanto mai efficace delle sue opere, non solo l’interpretazione autentica del processo creativo, lo vediamo dai quadri esposti nei quali si ritrovano “sovrapposizioni di materia e di colore, residui calligrafici, temperature, strati di esistenza”, lo dice lui stesso.
Quanto ai contenuti si ricavano anche loro dalle sue parole: “Un lavoro fatto di attese, di sguardi obliqui e lontani, sguardi quasi rubati ma soprattutto passaggi di tempo. L’idea di poter svelare luoghi muti, inviolati, percepire in quei centri vuoti l’energia giusta per un pieno”.
La compresenza dei contrari lo pone sempre al limite, sulla linea di confine tra il nulla e il tutto, del resto la sua mostra dell’ottobre 2012 si intitolava “Limen”, e così veniva presentata da Alessandro Masi:”Vivere ai bordi di uno spazio, sul limite di un territorio sospeso tra assenze e presenze, sentire la pittura come un codice dell’esistente che scorre e scivola via contrapposto ad un altro che sta e che si fa contrappunto e voce dell’Altrove, è per Leonardo Blanco la sua condizione prima del suo agire di pittore e scultore”.
E sulla manifestazione pittorica aggiunge: “Pittura di confine, quella di Blanco si presenta come un crocevia di segni che transitano dall’una verso l’altra parte dello spazio, che si infrangono in una liquida tumefazione di materie bituminose, carnali, acquose, più o meno leggere a seconda delle trasparenze che le leggi dell’opera richiedono”. Fino a precisare: “Sono transiti provvisori di codici grafici che fronteggiano inspiegabili muri, che li oltrepassano, che li scavalcano, nell’ansia sempre eterna del movimento”.
Questa la descrizione della Quattrini: “Flussi di luce, macchie informi, masse mutanti si animano e si dissolvono in atmosfere sospese e silenti. Lo spazio diventa il luogo dell’azione e della riflessione in cui un sentimento lieve ed intenso, intimo ed universale, sembra coesistere allo stesso tempo”.
La sinfonia degli opposti, l’ossimoro nell’arte, non c’è nulla da aggiungere. Ma molto da vedere e da decifrare nella galleria intrigante di Lorenzo Blanco all’RvB Arts di Michele von Buren.
Info
RvB Arts, via delle Zoccolette 28, e “Antiquariato Valligiano”, via Giulia 193. Orario negozio, domenica e lunedì chiuso. Tel. 335.1633518. info@rvbarts.com; http://www.rvbarts.com/. Cfr. in questo sito, i nostri precedenti articoli sulle mostre di “Accessible Art” alla galleria RvB Arts: nel 2014, 14 marzo, 17 e 27 giugno, nel 2013, 27 febbraio e 26 aprile, 21 giugno, 5 luglio e 5 novembre, nel 2012, 21 novembre e 10 dicembre. I cataloghi delle mostre di Leonardo Blanco, da cui abbiamo tratto le citazioni del testo, escluse quelle di Viviana Quattrini, sono: “Leonardo Blanco. Without”, presentazione di Alessandro Masi, Casa Moretti, Cesenatico, giugno 2014, pp. 66, formato 24 x 28, e “Leonardo Blanco. Limen”, a cura di Alessandro Masi, giugno 2013, pp. 78, formato 28,5 x 24, e “Leonardo Blanco. Open End”, testo critico di Luigi Meneghelli, maggio 2009, pp. 50, formato 28,5 x 24. Per le altre mostre citate cfr,. in questo sito, i nostri articoli sulla mostra “Secessione” 12 e 21 gennaio 2015,e sul “Padiglione Italia” alla Biennale di Venezia 8 e 9 ottobre 2013; infine i nostri articoli in “cultura.inabruzzo.it”, per la mostra “De Chirico e il Museo” 22 dicembre 2009, per le mostre sul Futurismo a Roma 30 aprile 2009, a Giulianova (Teramo) 1° settembre 2009.
Foto
Le immagini sono state riprese da Romano Maria Levante alla RvB Arts e all’Antiquariato Valligiano alla presentazione della mostra, si ringrazia l’organizzazione, in particolare Michele von Buren, con i titolari dei diritti, in particolare gli artisti Cornelia Badelita e Leonardo Bianco per l’opportunità offerta. In apertura, Cornelia Badelita, “High Fidelity”, seguono “Wanna Be Your Dog” e “Keep Meat”, poi due affiancate intitolate “Autore sconosciuto”; in successione opere di Lorenzo Bianco, “WO-23” e “HM-5”, quindi “WO-25” e “WO-22”, in chiusura, “WO-32”.
Allo Studio S – Arte contemporanea, in via della Penna, un’installazione molto particolare, “Food Art”, coltura/cultura: una tavola imbandita recante 10 piatti decorati da artisti, più 2 bottiglie, 2 contenitori e un cestino anch’essi artistici, 15 gli artisti impegnati. La tavola è esposta dal 27 marzo al 10 aprile 2015, con i primi 15 artisti, poi ne verrà imbandita una seconda, dal 13 al 29 aprile, con altri 15 artisti.
Il cibo nell’Arte
Richiama il cibo esteriore, all’Expo di Milano all’insegna del motto “Nutrire il Pianeta – Energia per la vita”, e quello interiore della cultura, di cui il nostro paese è ricco. Coltura e cultura per nutrire fisicamente e mentalmente il Pianeta con il cibo del corpo e il cibo dell’intelletto; in più vi è abbinata una mostra benefica per la Comunità Sant’Egidio, così c’è anche il cibo dell’anima.
Dobbiamo all’invito di Lina Passalacqua, autrice di uno dei 10 piatti dell’installazione, se abbiamo conosciuto questa bella iniziativa che celebra l’Expo e non solo in chiave artistica.
L’arte sarà presente all’Expo, Vittorio Sgarbi ha già scatenato la sua creatività a tale riguardo, e forse anche la trasgressione; dopo avere invano cercato di portare a Milano i Bronzi di Riace certamente ci sorprenderà con qualche invenzione delle sue, una di queste è la riproduzione dell’Ultima Cena di Leonardo in aggiunta a quella originale per consentirne la visione a un maggior numero di visitatori. E Achille Bonitoliva ha parlato della celebrazione del cibo nell’arte, per l’Expo, dalle Ultime cene agli “alberi della cuccagna” di artisti contemporanei lungo lo Stivale.
E’ stata imperniata sull’arte la presentazione dell’Estonia svoltasi al Vittoriano nell’ambito del programma “Roma verso Expo”, che ha visto nel complesso monumentale le mostre di una serie di paesi: oltre all’Estonia, l’Egitto e la Slovenia, l’Albania e la Serbia,, il Vietnam e la Tunisia, anch’essa con presenze artistiche, la Grecia e la Germania, fino alla Repubblica Dominicana e al Congo; altri paesi presentati all’Aeroporto di Fiumicino. Una mostra sul cibo di tipo fotografico e divulgativo c’è stata al Palazzo Esposizioni, con le immagini dei fotografi di National Geographic.
Allo studio S abbiamo avuto la bella sorpresa di qualcosa di diverso, l’arte che celebra il cibo e insieme la cultura restando aderente all’immagine e alla funzione che il cibo ha nella vita di tutti, legato com’è all’alimentazione e alla tavola; cui non è estranea neppure la cultura. E allora ecco celebrarle insieme con una tavola imbandita dove l’arte ha impreziosito i piatti con il proprio sigillo.
I piatti nella tavola di Food Art e nella serie In piatto/ Nutrimento ed Arte
Ci sono 10 piatti su un tavolo nero molto basso, così da essere come una piccola installazione vista dall’alto, sono decorati da pitture artistiche, ognuno dei 10 autori ha interpretato a suo modo. Ecco i nomi degli artisti che hanno realizzato la tavola da noi ammirata nella visita alla “vernice” della mostra, esposta dal 27 marzo al 10 aprile , sono chiamati “ospiti”, come si addice a una vera cena: Rosetta Acerbi e Anna Addamiano, Giovanni Baldieri e Valeria Catania, Isabella Collodi e Anna Maria Laurent, Stefania Lubrani e Flavia Mantovan, Piero Macetti e Lina Passalacqua, Alessandra Porfidia ed Elio Rizzo, Sinisca, Siscia e Isabella Tirelli. L’ordine è alfabetico, abbiamo abbinato i nomi come se gli ospiti fossero venuti a coppie per sedersi vicini nella tavola imbandita.
Nella parete di fronte c’è una serie di piatti fissati al muro, come pendant della tavola posta in basso. Si tratta di opere presentate nel 2014 nella mostra “In piatto/Nutrimenti ed Arte”, dello Studio Arte Fuori Centro, che rispondono alla stessa logica dell’installazione attuale: erano 42 opere, di cui 22 degli artisti associati. Di fronte alla tavola ne sono esposti 12, ecco gli autori: Minou Amirsoleimani e Francesco Calia, Elettra Cipriani e Raffaele Della Rovere, Gabriella Di Trani e Silvana Leonardi, Giuliano Mammoli e Rita Mele, Franco Nuti e Luciano Puzzo, Fernando Rea e Alba Savoi, che indichiamo con lo stesso criterio alfabetico e a coppie di ospiti.
Un’Arte per la Vita
L’altra mostra, in significativa coincidenza con questa sul cibo, ripropone opere che nel 2012 erano state presentate al Museo Venanzo Crocetti nel quadro del progetto A.R.G.A.M. (Associazione Romana Gallerie d’Arte Moderna), “Un’Arte per la Vita” volto a raccogliere fondi per la Comunità di Sant’Egidio tramite eventi realizzati con opere date in comodato da artisti e gallerie. Ecco come viene presentata tale iniziativa benefica: “A queste opere lo studio S riserverà a rotazione in questa stagione di mostre una sala della galleria, offrendo ai suoi visitatori l’opportunità di arricchire la propria collezione, o di iniziarne una, a particolari condizioni d’acquisto senza alcuna commissione per la galleria, e contribuire allo stesso tempo al finanziamento dei programmi umanitari della Comunità”.
Guardiamo le opere esposte, una è della stessa Lina Passalacqua, “Il cibo è vita”, 2015, si aggiunge alla serie dedicata alle 4 Stagioni presentata in una bella mostra al Vittoriano nel 2014; è un collage, al riguardo ricordiamo anche la sua mostra proprio nello Studio S con i collage preparatori dei dipinti, esposti insieme ai collage di Terlizzi.
Riconosciamo inoltre un dipinto di Danilo Maestosi, pure lui protagonista di una mostra al Vittoriano con i suoi dipinti dal forte spessore materico espressione di contenuti profondi legati alla musica, c’è anche un’opera di Solveig Cogliani, di cui ricordiamo la personale in corso al Vittoriano.
Ecco le opere esposte attualmente nella prima sala, altre saranno esposte in seguito: Lina Passalacqua, “Ombre”, 1997, e Danilo Maestosi, “Internet City”, 2011, Sinisca, “Emisfero nello spazio”, 1999, e Solveig Cogliani, “Paesaggio meccanico”, 2011, Flavia Mantovan, “Saint Beckam”, 2006, Maria Murgia, “Alba”, 2011, e Mario Padovan, “Angelo 2”, 1998.
Aver celebrato in modo artistico e innovativo il cibo dell’Expo milanese, e insieme la cultura e la solidarietà con le altre opere di artisti a finalità benefica, è come aver unito il cibo del corpo a quello dell’intelletto e al cibo dell’anima.
E’ stata una bella sorpresa la meritoria iniziativa, che fa entrare ancora di più nello spirito della Pasqua imminente, e di cui va il merito al direttore della galleria Carmine Siniscalco, instancabile organizzatore di mostre ed eventi .
Info:
Studio S, Via della Penna 59, nei pressi di Piazza del Popolo, lato caffè Rosati. Dal lunedì al venerdì ore 15,30-19,30, mattina su appuntamento; sabato 11,00-13,00; domenica chiuso. Ingresso gratuito. Tel. 06.3612086. Per le citazioni del testo cfr. i nostri articoli: in questo sito, sulle mostre di Lina Passalacqua, “Collage-pittura, Passalacqua e Terlizzi allo Studio S di Roma” 28 aprile 2014, e “Lina Passalacqua, le Quattro stagioni al Vittoriano” 28 aprile 2013 e sulla mostra di “Solveig Cogliani,Roma, La Grande Guerra” 20 marzo 2015, nonché sulle mostre di presentazione dei singoli paesi al Vittoriano nel programma “Roma verso Expo”, nel 2014, 8 novembre e 9 dicembre, nel 2015, 14 gennaio, 7 e 25 febbraio, infine sulle mostre “Cibo, 90 foto di National Geographic al Palazzo Esposizioni” 1° febbraio 2015 e “Alla mensa del Signore” alla Mole Vanvitelliana di Ancona 25 dicembre 2013; in cultura.inabruzzo.it per la mostra di “Danilo Maestosi, al Vittoriano nel suo Concerto-Sconcerto, tra musica e memoria” il 31 marzo 2010.
Foto
Le immagini sono state riprese nello Studio S all’inaugurazione della mostra da Romano Maria Levante, si ringrazia il direttore Carmine Siniscalco, con i titolari dei diritti, per l’opportunità offerta. In apertura, la tavola artisticamente imbandita “Food Art”, seguono i primi piani dei 4 piatti posti agli angoli della tavola, il primo è quello di Lina Passalacqua; poi le opere della serie “In piatto/ Nutrimento e vita” nella parete di fronte; quindi le bottiglie artistiche e il cestino artistico; in chiusura, la tavola imbandita di “Food Art” e le opere “In piatto/ Nutrimento ed Arte” nella parete di fondo, a dx si vede la bottiglia artistica.
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